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攝影攝制必看試題

作者:   發布時間:2014-01-19 21:44:20   瀏覽次數:14783

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攝影基本常識  ( 轉自攝影網 )

攝影基本常識(一)相機的分類
   
    相機問世至今約150周年,由於時代的變化與科技的進步,已演變出許多種的類型,而想接觸攝影就必須對這些相機有最起碼的了解,以下便是依不同的分類法予已分類,大家可作為參考:
  
   (一)依觀景器系統區分拍攝照片時,我們觀看拍攝目標、范圍的玻璃窗便是觀景器
    1.單眼反光觀景器系統:這是目前最普遍的相機觀景器,它是利用鏡頭後面的反射鏡將鏡頭所捕捉到的畫面加以反射,再利用五口鏡加以折射,使我們從觀景器中看到 正立的影像!
2.透視觀景器系統:它沒有所謂的反射鏡及五□鏡,光線是直接經由觀景器進入我們的眼 睛,再作較近距離的攝影時,底片成像的范圍與觀景器中的影像范圍會有不同,既所謂的視差!
3.雙眼反光觀景器系統:此種相機擁有上下兩個鏡頭,上面的鏡頭擔任觀景器的任務,下面的才是實際拍攝的鏡頭,此系統會因為上下鏡頭位置的不同而加大視差!
  
    (二)依對焦系統區分
    1.手動對焦: 對焦就一張照片而言是很重要,所謂的對焦便是調整對焦環,透過觀景器的預視,使影像清晰的成像於軟片上。若利用手調整對焦環來完成對 焦的工作,而不是靠相機自動對焦,便稱為手動對焦!
    2.自動對焦: 而自動對焦的相機則是利用內置的馬達來驅動調整對焦環,不需手動 ,但自動對焦的相機必須要配合自動對焦的鏡頭,才可發揮此項功能,若不習慣的話,則可利用相機上的自動 /手動的切換扭,變成手動。若是自動對焦的相機接上手動對焦的鏡頭時,便只能利用手動對焦。目前較新型的電子式相機,不管單眼的相機或是雙眼的傻瓜相機(無法更換鏡頭), 便是這類型的相機。而較老式的相機大多屬於手動對焦。
  
   (三)依相機使用的軟片大小來區分:
    1.使用35mm底片的相機 --- 135 相機 底片大小24mm x 36mm ,這是目前大眾最常使用的底片。
  
    2.使用布朗尼底片的相機 --- 120 相機 此種相機可裝 3種不同大小的底片: ~ 57mm x 57mm ( 簡稱 6 x 6 ) ~ 56mm x 70mm ( 簡稱 6 x 7 ) ~ 60mm x 69mm ( 簡稱 6 x 9 )  
  
    3.使用軟片盒的相機 插盒式裝片的相機有兩種規格 --- 126 相機 --- 110 相機 4.使用特殊底片相機 16mm or 4 x 5 inch or 8 x 10 inchΩ
 
 
 

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攝影基本常識(二)鏡頭

   最原始的相機是一個開有小孔的暗箱,景物反射的光線通過小圓孔 ,再射到感光片上,因光線是散發的,通過小孔會繼續散開,原本由點發出的光線在感光片上是形成圓,影像便由許多的圓而不是點構成,自然不夠清晰,於是發明了透鏡來取代圓孔.單一凸透鏡片是最簡單的透鏡,但僅比小圓孔還好一點,影像并不夠清晰便造成像差.若用多片透鏡組合,使各片透鏡的像差減到最小,就是現在所有相機普遍采用的復式鏡頭.在介紹鏡頭前,必須先解釋一下″焦距″這個名詞,就單式鏡頭而言,焦點與鏡頭中心點的距離便是焦距;復式鏡頭的焦距俗說是焦點與光圈位置間的距離,實際上是焦點與鏡頭後節點的距離,望遠鏡頭的後節點遠在最前鏡片之前,廣角鏡頭則在最後鏡片之後,所以依鏡頭設計的不同而有所差異.以下便以焦距的分別來介紹鏡頭:
  
   1.標準焦距鏡頭:他的視角約50度,也是人單眼在頭和眼不轉動的情況下所能看到的視角,所以又稱為標準鏡頭.一般初 學者多由標準鏡頭開始練習,待進步到標準鏡頭不夠 用時再換其他鏡頭.35mm相機的標準鏡頭的焦距多 為40mm,50mm或55mm.120相機的標準鏡頭 焦距多為80mm或75mm,相機片幅越大則標準鏡頭 的焦距越大.  
  
   2.廣角鏡頭:因攝影角度廣而得名,適用於拍攝距離近且范圍大的景物,又能刻意夸大前景表現強烈遠近感既透視.35mm相機的典型廣角鏡頭是焦距28mm,視角為72度.120相機的50,40mm的鏡頭便相當於35mm相機的35,28mm的鏡頭. 
  
   3.長焦距鏡頭:適於拍攝距離遠的景物,景深小容易使背景模糊主體突出,但體積笨重且對動態主體對焦不易.35mm相機長焦距鏡頭通常分為三級,135mm以下稱中焦距,135-500稱長焦距,500以上稱超長焦距.120相機的150mm的鏡頭相當於35mm相機的105mm鏡頭.由於長焦距的鏡頭過於笨重,所以有望遠鏡頭的設計,既在鏡頭後面加一負透鏡,把鏡頭的主平面前移,便可用較短的鏡體獲得鏡體獲得長焦距的效果.  
  
   4.反射式望遠鏡頭:是另一種超望遠鏡頭的設計,利用反射鏡面來構成 影像,但因設計的關系無法裝設光圈,僅能以快門來調整曝光.  
  
   5.巨像鏡頭(marco lens):除作極近距離的巨像攝影外,也可遠攝. 鏡頭型式 焦距(mm) 攝影角度 魚眼鏡頭 8 180 超廣角鏡頭 15 110 20 94 24 84 廣角鏡頭 28 74 35 62 標準鏡頭 50 46 中焦距鏡頭 85 28 105 23 135 18 長焦距鏡頭 200 12 400 6 超長焦距鏡頭 600 4 1200 2 以上是鏡頭大約的分類,希望可作為各位的參考!
 
 
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攝影基本常識 (三)光圈

    照相機的鏡頭有一個控制透光量的裝置,就叫光圈.光圈開的大,透光量便大;開的小,透光量便?。豢抗馊€不能完全描述作用於軟片上的光線 強度,鏡頭與軟片間的距離也有關系,也就是和鏡頭的焦距有關系.焦距小光 圈離軟片較近,光線的作用便較強.有一個名詞--光圈系數,光圈系數是將 鏡頭焦距除以光圈的直徑所得的值,用f表示.例如有甲乙丙三鏡頭,甲鏡頭 的焦距為50mm,最大光圈直徑為25mm,則光圈系數是50/25=2 ,我們說它是f2的鏡頭;乙鏡頭的焦距為35mm,最大光圈直徑為17. 5mm,光圈系數是35/17.5=2,我們也說它是f2的鏡頭;丙鏡頭 的焦距為100mm,最大光圈直徑為25mm,則光圈系數是100/25 =4,我們說它是f4的鏡頭.乙鏡頭的孔洞比甲鏡頭小,但光圈系數相同, 於是透光到軟片上的強度是一樣;甲丙鏡頭的孔洞一樣大,但光圈系數不同, 於是透光到軟片上的強度是不一樣的.所有相機鏡頭的光圈都已標準化,就是 f1,f1.4,f2,f2.8,f4,f5.6,f8,f11,f16,f22,f32等.光圈的功能有二:
  
   1.控制光量的透入:光線透過鏡頭射到軟片的強度是和光圈系數平方成反比,也就是相鄰兩級的光圈作用於軟片上的光線強度有兩倍的關系.f2是f2.8的2倍,f2.8是f4的2倍.
  
    2.調節景深:所謂的景深,就是鏡頭對焦處前後所能成像清晰的范圍,它鏡頭焦距,光圈,及被攝景物主體的距離有關,鏡頭焦距越短,光圈越小,被攝物的距離,景深越大清晰的范圍越大,反之亦然.所以就光圈來講,小光圈景深大,清晰細密的表出遠近的明銳感;大光圈景深小,則可使主體突出,表現主體以外前後主題的模糊感.值得一提的是,若要前後景物都清晰,應使用小光圈,但以小到能涵蓋希望的景深即可,不必過小,過小便會受到繞射的影響,反而降低其解像力!
 
 
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攝影基本常識 (四)快門

    相機的快門是控制曝光時間長短的機關,快門經常處於關閉狀態,已防裝在相機內的底片露光,攝影時將它一開一閉,讓透過鏡頭的影像光線作用於軟片上。早期的座架式相機沒有快門裝置,僅備一鏡頭蓋套在鏡頭上,取景對焦時取下鏡頭蓋,套上鏡頭蓋再裝感光片,攝影時將鏡頭蓋掀開一剎那時間遂即蓋上?,F在快門已進步到由機械或電子操縱開啟時間??扉T的功能有二分述如下:
  
    1.開啟時間的長短來控制透入光量的多寡。假若被攝體的明度和鏡頭的光圈 不變,快門開啟時間長,作用於軟片的光量多,快門開啟時間短,作用於 軟片的光量少??扉T開啟時間的長短叫做快門速度(Shutter speed)。為 便於調整曝光,鏡頭快門相機的鏡頭上裝有快門速度調整環,焦面快門相 機(較普遍)的機身上裝有快門速度調整環。在快門速度調整環上,將快 門速度分為若干級。為配合光圈調整曝光,每相鄰兩級的快門速度也是二 與一之比。所有各種相機的快門速度分級都以標準化,即 4, 2, 1, 1/2, 1/4, 1/8, 1/15,1/30, 1/60, 1/125, 1/250, 1/500, 1/1000, 1/2000, 1/4000, B, T。 快於一秒的快門速度的刻度只用 2,4,8...等分母數字表示,分別代表1/2 ,1/4,1/8.....,一秒及慢於一秒的用不同顏色數字標示。B為Bubble的縮 寫,代表按下快門鈕時快門便開啟,放松便關閉。T是Time 的縮寫,代表 按下快門鈕時快門便開啟,再按一次才關閉。
  
    2.配合光圈曝光:攝影曝光正確,才能產生層次豐富細節清晰的照片。曝光 要正確,必須按照軟片速度與光圈強弱,將快門速度和光圈適當配合。
 
 
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攝影基本常識(五)曝光

   曝光值是用一定速度的底片,將快門速度與光圈系數相配合表示曝光量的數值。曝光值的計算方法是以ISO 100為基準,令光圈系數f1,快門速度一秒的曝光量為零,亦即 EV為0,由 0起順序排列0,1,2,3,4,5 ......,分別代表逐項減半的曝光量,亦即每相鄰兩值的曝光量為二與一之比。曝光值為1 的曝光量是為0 的 1/2倍,可以是f1.4,1 秒。曝光值為2 的曝光量可以是f1.4,1/2秒或f2,1秒。同一個曝光值可有許多不同的快門速度和光圈系數的組合,其曝光量都一樣。 f11,1/60秒和f8,1/125秒和f4,1/500秒的曝光值都是 13,表示曝光量相等。凡快門速度與光圈系數可做不同的組合而產生相等的曝光量者 ,稱為曝光對等律。以下便是以ISO 100/21為基準的曝光值,各位可以比較看看: f1.4 f2 f2.8 f4 f5.6 f8 f11 f16 f22 1 sec 1 2 3 4 5 6 7 8 9 1/2 2 3 4 5 6 7 8 9 10 1/4 3 4 5 6 7 8 9 10 11 1/8 4 5 6 7 8 9 10 11 12 1/15 5 6 7 8 9 10 11 12 13 1/30 6 7 8 9 10 11 12 13 14 1/60 7 8 9 10 11 12 13 14 15 1/125 8 9 10 11 12 13 14 15 16 1/250 9 10 11 12 13 14 15 16 17 1/500 10 11 12 13 14 15 16 17 18 1/1000 11 12 13 14 15 16 17 18 19 不論何種方式的測光,當相機測出某種光圈快門值時,它所依據的標準是:用這樣的光圈快門,將景物拍城中灰色調的明亮度!在自然界中,各種物體的明亮度(反射率)都不同,但平均以中灰色反射率(18 %)居多,因此相機便以這種色調為曝光正確的標準。因此當我們希望所拍攝的 物體比中灰色調亮一些時應加大光圈或降低快門速度,如拍攝白色的墻時,應依據相機所測得的值加一或二倍的曝光量,這樣墻才會呈現白色;希望所拍攝的物體比中灰色調暗一些時應縮小光圈或增快快門速度,如拍攝黑色的墻時,應依據相機所測得的值減一或二倍的曝光量,這樣墻才會呈現黑色!
 
 
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攝影基本常識(六)濾光鏡
    攝影時基於某些目的,需要用一種鏡片阻擋某些波長的光線,使其 不通過鏡頭進入相機,或限制其通過的分量,這種鏡片就叫做濾光鏡,又稱濾色鏡,濾光鏡大致分為六類:
  
   (一)對比濾光鏡:用在黑白攝影改變被攝景物某一色調以提高對比的濾光鏡,又稱反差濾光鏡。對比濾光鏡的運用原則是,要使某色彩在照片上的色調變淺時,采用通過該色光的濾光鏡,要使某色彩在照片上的色調變深時,采用吸收該色光的濾光鏡。例如拍攝帶有綠葉的紅花,若紅花與綠葉的明度相當,則在照片上的色調幾乎沒有差別,可用通過紅光的虹色濾光鏡,使紅花的色調變淺。一般用較重要的對比濾光鏡有六種,每一種又分成淺中深三級:
1.紅色濾光鏡:吸收綠藍紫色,主要通過紅色,次為橙黃色。
2.黃色濾光鏡:吸收藍紫色,主要通過黃色,次為紅橙綠色。
3.橙色濾光鏡:介於紅色和黃色濾光鏡之間。
4.綠色濾光鏡:吸收紅橙藍紫色,主要通過綠色,次為黃色。
5.黃綠色濾光鏡:介於黃色和綠色濾光鏡之間。
6.藍色濾光鏡:吸收紅橙黃綠色,主要通過藍色,次為紫色。
  
   (二)紫外線濾光鏡:簡稱UV,紫外線是看不見的的光線,但軟片對其的感應卻很強,所以拍攝風景時宜利用紫外線濾光鏡來吸收遠景的紫外線,以減小其對底片的作用,加強影像的清晰度。又有名為天光鏡(sky light filter) 者,也是紫外線濾光鏡的性質。
  
   (三)中色濾光鏡:簡稱ND,中色濾光鏡對各種光的吸收率相等,是用 來減低通過鏡頭的光量。當使用最小光圈或最快快 門,還曝光過度時,便需要中色濾光鏡來減低曝光 值。它分為二倍、四倍、八倍三種,所謂的倍數是 只曝光倍數而言。
  
   (四)偏極濾光鏡:簡稱PL,它是由許多方向一致的極小晶體構成,從 天空,水面,非金屬光滑表面某個角度反射的光線 會被偏極. 若在鏡頭上裝偏光鏡,既可管制這些反 光,把它消除或減弱,以表現物體的質地. 它大約 有以下四個功能:
1.控制天空的色調:彩色攝影若要加深藍天的彩度,可使用偏光鏡,樹木和水面的彩度也會因部份反光被吸收而加強。
2.控制物體的反光:從非金屬光滑表面所反射的光,用偏光鏡來 控制是很理想的,例如拍攝櫥窗內的商品或隔著水面拍水底的景物等,其中又以三十度左右斜對反光面較有效。
3.提高彩度。
4.代替中色濾光鏡:偏極濾光鏡的曝光倍數和四倍的ND相近,所前者可以代替後者。
  
   (五)紅外線濾光鏡:他吸收紫外線以外的所有可見光線,僅通過紅外線。專用於紅外線軟片攝影。
  
   (六)色溫平衡濾光鏡:彩色軟片是針對標準色溫而設計的,使藍綠紅 三層乳劑的色感和速度達到平衡,以求色彩平 衡。但太陽光線早晨到黃昏的色溫不同,陰天 晴天的色溫也不同,燈光色溫因電壓而不同。 當光源的色溫不符合軟片色溫的要求時,便會 呈現偏色,需要用色溫平衡濾光鏡。
 
 
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攝影基本常識(七)色溫

    關於彩色攝影,色溫會影響一張照片的感覺。在早晨或黃昏拍攝的照 片會偏紅,在鎢絲燈光下拍攝照片顏色會偏黃,這些現象都是因為當時的 色溫不能符合軟片的色溫標準而產生色偏。在物理上,把稱做完全黑體的 物體完全加熱,溫度上升,開始變成紅色呈紅熱狀態,再繼續加熱會變成 白色,呈白熱狀態。在紅熱狀態時,光源放射能低,光波長,其紅色成分 較多,白熱狀態時,光源放射能高,波長短,其藍色成分多。凡發光物體 溫度越高,光的顏色越白,溫度越低,光的顏色越紅。在同一鎢絲燈下電 壓低時的燈光比電壓高時還紅。
應用在攝影方面,色溫就是發光物體由紅 到白色各級溫度所放射光線中包含顏色的成分。色溫高低的度數以 K 表 示,也就是將攝氏溫度 +297。色溫K數變化時,藍色光的成分并不隨其等 量的變化,所以在加濾光鏡調整色溫時換算不是很方便。於是有DM值的設 計,DM值的計算方法是將色溫K 數倒數的十萬倍,所以色溫越高,DM值越 低,色溫越低,DM值越高。用DM值的優點是,DM值變化時,光線的藍色成 分隨其等量變化,如此就可以由軟片色溫的DM值和光線色溫的DM值的差額 ,來決定用什麼號數的色溫濾光鏡。例如日光型彩色軟片色溫標準為19DM (相當5400K),用在光線色溫 14DM(相當7000K)的情況時,兩者相差5DM,應用紅色R5號濾光鏡以降低色溫。
  
時間                  光源色溫K數               光源色溫DM  
日出時                2000                               50  
日出後或日落前20min   2100                              48  
日出後或日落前30min   2400                               42  
日出後或日落前40min   2900                               35   
日出後或日落前1hr       3500                               29   
日出後或日落前2hr       4500                               22  
日出後或日落前3hr       5400                                19  
平均中午日光          5400                                19  
陰天                  6500-8000                       15-13  
螢光燈                7000                                14   
電子閃光燈            5500                                18   
藍色閃光燈泡          5400                                19   
白色閃光燈泡          3800                                26   
照相用泛光燈          3400                                29   
家庭用500W燈泡      3000                                33   
照相用鎢絲燈          3200                                31   
家庭用100W燈泡      2900                                35   
  
    彩色軟片是針對標準照明的色溫而設計,日光型軟片以晴天中午5400K 為標準,燈光A型正片以泛光燈光3400K為標準,B型正片與L型負片以鎢絲 燈光3200 K為標準。當色溫不符合軟片色溫標準時,就不能攝得色彩純正 的底片,需要用色溫平衡濾光鏡(LB濾鏡)來調整! LB 濾鏡大約分為4系列 :
  
80系列(升溫) 81系列(降溫) 83系列 85系列(降溫)  
80A 3200 K --- 5500 K
80B 3400 K ---5500 K
80C 3800 K ---5500 K
80D 4200 K ---5500 K 81A,81B,81D,81EF將色溫6000K - 8000K - 5000K 升至 5500 K   85A 5500 K --- 3400 K
85B 5500 K ---3200 K
85C 5500 K ---3800 K
 
 
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攝影基本常識(八)---軟片的種類
   
   (一)彩色正片:
  
KODAK
    (1)k-14 (需送國外沖洗) KODACHROME 25(PKM) - 彩色正片之王,粒子極細,解像力極高, 略帶洋紅色調,適合拍白色人種。 KODACHROME 64(PKR) - 多用途底片,特徵同PKM。 KODACHROME 200(PKL) - 高速底片,特徵同PKM。  
  
    (2)E-6 EKTACHROME 64(EPR) - 粒子細、解像力高,特徵略像KODACHROME 系列,但對綠色的感應稍差,不適合來拍風景。 EKTACHROME 100 PLUS(EPR) -色彩表現較強烈,其馀同上。 EKTACHROME P800/1600(EES) -高速底片,可當400、800、1600度 使用。
  
FUJI
    FUJICHROME Velvia(50 RVP) -色彩極鮮艷,粒子極細,解像力極極高,有取代PKM成為下一代彩色正片之王,對一般底片無法正確還 原的紫色有極佳的表現,同時對綠 色、藍色有非常的表現能力。 FUJICHROME 100D(RDP) -中等感光度,色彩還原最正常的底片,用 途非常廣泛。 FUJICHROME 400D(RHP) -高感光度的底片,色彩不錯。 FUJICHROME 1600D(RSPⅡ) - 超高感光度的底片,可當400、800、 1600度使用。 另有FUJICHROME 100D(RD)為一般用底片。 一般來說 FUJI的底片色彩表現較自然,適用一般用途,KODAK 的 底片有較多的選擇性,適合特殊用途。
  
   (二)彩色負片
  
KODAK
    EKTAR 25(PHR) -彩色負片中粒子最系、解像力最高的底片。 EKTAPRESS GOLD 100(PPA) -報導攝影專用底片,色彩表現略差。 EKTAPRESS GOLD 400(PP -特性同上,與 PPC為唯一可增感的彩色 負片。 EKTAPRESS GOLD 1600(PPC) -同上。 另有KODACOLOR GOLD 100、200、400等一般底片。
  
FUJI
     FUJICOLOR REALA(100) - 感色性最正常的負片。 FUJICOLOR HG(100)一般用底片。 FUJICOLOR SUPER HG 400 -高速底片,顏色相當漂亮。 FUJICOLOR SUPER HG 1600 -超高速底片。
  
KONICA
    SR-V 100 -一般用底片。 SR-G 3200 -有史以來最高感光度的彩色負片。 彩色負片的特色不像正片那麼明顯,因洗出一張照片需要經過相當多 的步驟,其中沖洗店扮演一個非常重要的角色。
  
   (三)黑白負片
  
KODAK
    Technical Pan 2415(25°) -最低感度黑白負片,有極高的解像力 非常廣的黑白色調、極端細的粒子, 可稱為黑白負片之王。 T-MAX 100(TMX) -解像力高、優異的色調,可惜粒子稍粗。 T-MAX 400(TMY) -高感光度、擅增感,粒子粗。 T-MAX P3200(TMZ) -粒子較同及底片細,可增感至25000°。
  
FUJI
    NEOPAN SS(100°) -最普遍的黑白底片,粒子細,但色調表現較差。 NEOPAN 400 Professional -粒子細、色調寬廣,對比稍低。 NEOPAN 1600 Professional -超高感度底片、粒子較粗。 ILFORD: PAN F(50°) -粒子極細,解像力極高,感色性稍異。 PAN 100 - 粒子細 FP4 (125°) -色調優美、但粒子稍粗。 HP5 PLUS(400°) -粒子細、色調寬廣、對比稍低,可增感至3200° 400 DELTA -粒子很細、色調優美、不能增感。
 
 
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如何恢復在存儲卡中誤刪除的數據文件  
  
    一、緣起:  
  
使用數碼相機,存儲媒介有常見的CF、SM、SD卡還有記憶棒等,我們拍的照片就以圖像文件的形式存儲在這些FlashMemory介質里,有時因為主觀或者客觀的種種原因,會出現誤操作將有用的照片或者其他數據文件誤刪除。這時,除了捶胸頓足之外還有什么補救措施能夠挽回么?  
  
    二、原理:  
  
    大家都知道,現在有很多硬盤數據恢復工具,如RecoverNT、Lost&Found、FinalData、EazyRecoveryPro等等,用來恢復在硬盤分區上誤刪除操作引起的數據丟失。我們自然會想到,這些磁介質上的恢復工具能用在閃存卡上么。要解答這個問題,還要從數據恢復工具的工作原理入手。  
  
    計算機專業畢業的兄弟一定記得,在《操作系統原理》這門課中我們學過,文件在磁盤等存儲介質下是“雜亂無章”的隨機存儲,OS如何找到這些存儲的文件,要靠文件系統,在MS的Dos/windows架構下,就是FAT,簡而言之,就是一個索引,其中原理就不再詳述了。而通常我們在OS中所進行的Delete操作,實際上并不是將這些數據在磁盤中完完全全像擦玻璃一樣抹得干干凈凈,實質上OS只是在FAT表中對相應索引這些數據的部分做了一個“已刪除”標記,這就表示,在OS的今后的文件存取操作中,這段已標記刪除的部分已經可以當作空白空間使用了。同理,FORMAT是格式化命令,它并不是將硬盤數據區中的數據完全破壞,只是將文件分配表(FAT)置空而已。所以,簡單刪除的數據并不是真正的安全,如果想要達到安全級別的刪除的話,還要通過專門的操作(簡單的說,就是在標記刪除的文件存儲區域用一些無意義數據比如Null強行覆蓋若干遍,覆蓋的次數越高,數據變化越多,安全級別就越高。這就是Norton Utilities里面WipeInfo工具等的工作原理)。正是這種刪除原理給了我們恢復數據的可能,只要實際存儲數據的地方沒有被新的數據覆蓋掉,那如果我們能重新恢復FAT表中原來的文件標記,數據就能被OS的文件系統重新識別,也就是“恢復”了數據。  
  
    以上是基于磁盤等磁介質的數據恢復原理,有些朋友會說,這些是磁介質的隨機存儲方式,閃存不是磁介質,兩碼事兒。恰恰相反,只要是隨機存儲方式,跟用什么介質存儲,根本沒有任何關系,上面那種想法屬于想當然而已。只要是遵循DCIM標準的數字相機(目前市場上已經幾乎找不到不遵循此標準的數碼相機了),那他對閃存的操作方式和PC對磁盤的操作方式都一樣,就是通過FAT文件系統管理照片文件。同樣,閃存和磁盤一樣,也是通過扇區、簇等分割方式管理存儲空間。所以,從理論上講,閃存上的數據恢復和磁盤上一樣,不但是可能的,而且是很容易實現的?。ó斎?,市面上有很多MP3機采用的不是標準的文件管理系統,而是自己定義的管理和存儲方式,如果是樣的MP3機操作的閃存,就不能用通用的方法來恢復數據了,解鈴還需系鈴人,需要了解其數據結構,一旦了解,數據恢復仍然是有可能的)。  
  
   三、操作:  
  
   具體操作方式如下,  
  
    1.一旦發現進行了誤刪除、誤格式化等操作,首先就是停止任何新的寫入數據操作!這一點一定要切記,是能否全部恢復數據的關鍵前提。  
  
    2.將閃存卡插入讀卡器,連接到PC上,會在PC里看到出現可移動磁盤和分配好的盤符。
  
    3.這時,啟動你早已準備好的數據恢復軟件(RecoverNT、Lost&Found、FinalData、EazyRecoveryPro),這里,我以RecoverNT做操作例子(因為這個是綠色軟件,界面簡潔,操作容易,掃描速度快)。選擇“文件”菜單中的“打開驅動器”,出現驅動器選擇對話框,選擇閃存卡相對應的可移動磁盤盤符即可,下一步軟件會自動對閃存卡所有簇進行掃描,閃存卡容量越大,相應的簇越多,掃描過程也會長一些。  
  
    4.掃描完畢后,主界面會出現掃描結果,大家可以看到,除了正常存儲的文件之外,掃描出來的已經被刪除了的文件用特殊的圖標標記出來,如果是目錄被刪除,則可以進入到該已刪除目錄里面,即可以看到做了刪除標記的文件。  
  
    5.此時,鼠標選中要恢復的文件,在右鍵菜單選擇“保存”,會出現保存對話框,這里要千萬注意的一點是:一定不能保存在原分區上,請另行選擇一個分區保存恢復出來的文件。多個文件類似操作即可。  
  
    6.好啦,大功告成,趕緊去檢查一下那些已經恢復的寶貝文件吧。  
  
    注:這種恢復方法,經過我的實際測試,在CF卡(winward 128MB,由Canon Pro90拍攝的照片文件(RAW格式、JPEG格式經相機刪除、格式化操作))、SM卡(winward 128MB,由創新Nomad IIMG保存的MP3和NVF錄音文件經刪除,格式化)、SD(PQI 64MB,由Casio EM500上保存電子書格式文件經刪除)卡上;分別通過軟件RecoverNT和EasyRecoveryPro都可以完美的全部恢復。不過要注意的一點是,目前的大部分數據恢復軟件,對中文文件名的文件恢復支持都有些小問題,恢復時你得手動改名才可能恢復。 RecoverNT、Lost&Found、FinalData、EazyRecoveryPro這些軟件,都是商業或共享軟件,英文不好的網友們也能找到漢化版,大家可以在網上找到。
 
 
 
 
 
使用數碼相機攝影技巧      作者: 凌鯤       

      隨著數碼的不斷普及,數碼相機(DC)已不再是罕有的物體。而數字化的今天,對人們在原來的拍攝技藝的基礎上又提出了新的要求,不少初級用戶反映:數碼相機拍攝出來的圖片暗淡,欠缺活力、噪點多、景深淺(特別在微距模式下)、偏色等。但攝影本來就是心靈與光線溝通的橋梁,要掌握傳統拍攝技藝并非易事。下面就讓筆者為大家簡述一下數碼相機在拍攝中必需注意的問題,同時也講述一些拍攝前后的事項。
1、 瀏覽說明書
  很多用戶都不喜歡厚而繁瑣的產品說明書,一般買數碼相機購回后都喜歡自行摸索。當然,在摸索過程中會出現一些驚喜,但這會花費的不少時間,而且也不能以最短的時間系統了解你手中的產品的特性;如果看過說明說后再操作的話還可以避免一些錯誤操作。因此在初接觸新品時,應簡要先瀏覽一回廠家為大家用心匯編的說明書,熟悉一下數碼相機的基本菜單與功能。以后再有所不明時也可以翻一翻它,會有所收獲的。
2、 合理選用圖像格式
  我們都很清楚,數碼照片的質量與象素(分辨率)有關,象素越高圖像質量就會越好。而經實際情況的推算,200 萬象素的數碼相機大約與 1200 dpi 的掃描儀擁有同等的數字影像擷取能力,而 600 萬象素的數碼相機則可視為與 2400 dpi 的掃瞄器同級。若只是使用一般的平臺掃描儀進行相片數字化,那么數碼相機只要 200 萬 ~ 300 萬象素就可輕易地勝過 35 mm 相機了。不過,如果輸出 4"x6",約 A6 大小,使用 200-300 萬象素足可滿足一般人的需求。而若只是用于電腦72 dpi的顯示器,要求就更低了,分辨率為1024X768,才約為80萬象素,任何一臺二百萬級別的DC都可以游刃有余。因為數碼相機儲存空間有限,因此我們要因地制宜,合理選用分辨率,如:只用于PC的,對于本人的SONY DSC-S75一般使用1280X960;如應用于印刷,一般采用1600X1200;拍生活照時當然用2048X1536。在要求不高的情況下,壓縮標準也采用STANDARD,這可比FINE的壓縮標準存多一半的圖片呢!
3、 構圖與思考
  對于攝影有一定了解的用戶來說,都清楚明白準確構圖的重要性。如:若不是拍攝特寫,一般應把主體放在畫面的1/3處,同時盡量避開雜亂的背景,從特別的視角來拍攝,盡量捕捉物體的細節與個性,利用一些斜線或曲線的背景構圖會讓整體畫面看上去更為生動。
      另外,我們要善于運用二維的眼光觀察。因為攝影只有二維空間,它通過透視關系(即光和影的造型效果為參照物)來表現空間感,不同于從兩個不同角度觀察事物的三維人眼。不過,現時的數碼相機絕大部份都有直觀LCD取景屏,而且其視野率均在90%以上,有些接近100%,如S75就達99%??梢灾苯亓水數赜^察到空間感和距離感是否足夠,可做出及時的調整。不過一般的數碼相機LCD的分辨率都比較低,清晰度一般不能令人滿意,但筆都對S75還是挺滿意的??梢膊荒苊孕庞谒?,因為在實際上使用中發現:在LCD中顯示曝光輕微過度,在電腦的顯示器中顯示曝光量度剛好。這也是有部份用戶總是拍出暗淡圖片之因。
  而且LCD耗電量也一直讓"色友"們頭痛,因此有不少"色友"在拍攝中還是習慣于使用光學取景器,就考慮到光學取景器的視野率只有80%-90%,而在拍攝近特寫還要記得它可是旁軸的呀!當然,想拍出壯觀的畫面還得閉上一只眼睛,用兩只手的拇指和食指搭一個"鏡框",把眼前的景象想象成一幅印在書里或掛在墻上的畫……
4、 不要迷信DC的自動模式
  首先,和傳統相機另一個最大的差別是DC有一個白平衡。這有點類似于傳統攝影中的色溫,也正是由于初學者沒有重視這白平衡,所以才會生產偏色。DC一般都提供有自動、室內、室外、手動四種模式,初學者都信賴AUTO,可往往拍出的圖片偏了某一顏色,只要我們細心注意LCD取景窗是可以看出的。當我們剛拍攝到某一實物,該實物一般偏重某一顏色,假如藍色,這時DC的白平衡會自動偏向于藍色,再拍攝其它實物時自然也是會偏色的了。這點雖然在LCD中會體現出來,但初學者一般都沒發覺。同時,有些模式也不盡完善,如:SONY的DC在室內模式下都有"藍色綜合癥"現狀,因此我們還是盡可能使用手動白平衡為好。而且,還要密切留意LCD的色彩變化,一發現該白色的不是白色,就得重新對白色的實物取光修正白平衡。另外,有些數碼相機也具備了自動包圍式白平衡的功能,以便記錄準確的色彩信息。
  其次,光圈、快門的控制。建議若有手動的也應使用手動模式,因為自動模式下通常拍出來的圖片暗淡,特別是窗內,噪點也多。因為在室內拍攝時,DC一般會自動提升ISO值,如:SONY DSC-F505V在室內一般達282左右,而感光度與影像質量成反比關系,即選用的等效感光度越高,影像質量越差。這和傳統感光材料的特性類似,只是在數碼相機上這種特性表現更為明顯。因為傳統攝影中,我們通過選擇不同的感光度膠卷或者通過"提速增感"來改變拍攝時的感光度,但是數碼相機就不能這樣做,它只能通過提高CCD的靈敏度以及電路的增益來提高CCD的反應速度,即犧牲濾波性能和分辨率指標為代價,這樣做就會產生一個信號噪聲的問題,并最終在畫面上留下痕跡,這一點和傳統的高感度膠卷的粗顆粒十分類似。所以在用數碼相機拍攝時,若想獲得好的成像質量應盡可能地選擇低的等效感光度,或直接固定在最小值。
      再次,DC都有微距模式,而且數碼相機的光圈一般較大,達F2.0左右。在自動模式下,相機的程序也傾向于使用較大的光圈以縮短快門時間,防止震動。但攝影常識告訴我們,照相機鏡頭的收縮一般從最大光圈收縮兩級左右拍攝的照片效果最好。尤其是在微距模式下,如:SONY DSC-F707在拍花朵時,只有中間部份清晰細膩,周邊的都帶輕微的模糊。因此,我們最好使用光圈先決或全手動模式,使用較小的光圈以擴大景深。如果相機沒有光圈優先功能,可以試著盡量提高環境亮度,讓相機自動選擇較小的光圈或者使用閃光燈,圖像質量也能有所改善。
5、正確用光、與光線對話
  光是攝影的靈魂。因此我們要留心光線的變化,不僅是光的強度,還有光的方向,用心與光線對話。如:落日把晚霞染成紅色,象征著浪漫;陰暗的天空呈現出灰色的冷色調,象征著憂郁;樹蔭中撤下一束陽光,透射出歡樂、愉悅的情緒……。
分辨光的強度
  硬調光通常是由單一光源發出的,比如:太陽、聚光燈、閃光燈或單只燈泡。在這種照明下,被攝體反差較大,細節和質地被突出。你可以運用這種光線獲得紀實效果。與此相反,漫射光線產生的光質較軟。室內間接的照明,戶外的樹陰和陰天時都屬于這種情況。在這種光線條件下拍攝肖像和靜謐的戶外風景都是再理想不過的了。
      講究用光角度
  用光的角度不同,被攝體的質感會相應地被強化或削弱,被攝體的形狀就會被突出或被淡化。照片的基調是愉快的還是憂郁的,也會因用光的角度不同而有所不同。從相機上方或后方(通常稱之為正面光)投射過來的光線會降低被攝體的層次感,原因是正面光不利于營造高光和陰影。較好的選擇是讓光源偏于一側,同被攝體成大約45°角的側光,就可以很好地表現被攝體的形狀和細節。
當光線從被攝體身后射來,正對著相機時就會產生逆光。拍攝對象在逆光中顯得富于戲劇性。在拍攝肖像時,逆光在人物的頭發邊際產生漂亮的輪廓光。反差大的逆光可以產生剪影的效果。
  在傳統攝影中,一個不容忽視的也不容易掌握的色溫問題,在數碼相機中已不復存在,因為數碼相機可以通過白平衡來調整解決,而無需考慮光源色溫與底片的關系了。這又是數碼相機的一大優點。
  而數碼相機比起傳統感光材料,尤其是新的染料型感光材料,數碼相機在曝光寬容度指標上并無優勢,所以拍攝時的準確曝光仍是數碼相機獲得良好影像質量的基本原則。在實際使用中,我們發現數碼相機對光線的要求更高,在室內拍攝尤為重要。因此我們在室內拍攝時若不可外另照明時,就應盡量使用閃光燈。
6、 幾個誤區
習慣使用UV濾鏡
  對于傳統的攝影師,UV鏡是必備之一。但由于DC光靈敏度區間向長光波端偏移,就是說對紅光及紅外光敏感而對藍紫光(尤其是紫外光)并不敏感。所以在數碼相機上加用UV鏡將得不到所期望的有利效果,而光學性能不好的UV鏡還會對成像產生負面影響。所以就,UV就不必了。
三腳架已是昨日黃花
  別以為除了專業的攝影師或那些狂熱的攝影愛好者,三腳架對于數碼相機沒有武之地。因為要拍攝清晰的圖像,拍照時必須絕對握穩照相機,即使最輕微的抖動都會造成模糊不清的圖像,而且對于這種結果我們往往束手無策,無法通過后期制作來消除這種影響。
    當然,用普通膠卷相機也存在這個問題,但是由于數碼相機的光靈敏度低,并需要一系列的電路處理、存在快門延時的毛病,如:S75的快門延時近0.1S,比用快速膠卷的膠卷相機需要更長的曝光時間,在光線較弱時,更是如此。為了穩住相機,拍攝時應盡量夾緊胳膊肘,并應放置到人的最穩定部位--額頭上,并輕輕地按下快門。但最好的辦法是將相機裝在一個三腳架上,或者將它放在一張桌子、柜臺或其它不會移動的物體上。特別是在拍攝特寫或微距攝影時,使用三腳架會得到更好的拍攝效果。
      漠視后期處理
  用數碼相機拍攝的數字圖像,只有極少數看上去是完美的,事實上,用普通的膠卷相機拍攝也是如此。 當然,數字圖像的優勢就在于可以進行后期加工,但有人會認為這已失去"保真"的真實含義了。其實它仍是在攝影創作的基礎上,經創意構思,運用各種數碼技術手段,將攝影素材優化或組合,從而化平淡為神奇的重新創作的藝術作品。
  只要適當利用圖像編輯工具,諸如:PHOTOSHOP等等,你就可以讓那些并不出眾的照片變得頗具水準。你可以使曝光不足的圖像加亮、校正色彩均衡,剪裁掉分散注意力的背景,覆蓋住一些小的缺陷(比如反射光造成的熱點),甚至將幾張照片或圖像進行合成(見圖)。能夠進行照片編輯是用數碼相機拍攝的主要優點之一。
7、知識在運用中體現價值--運用在于實踐
  不一定是"工多藝熟",但要想"藝熟"就必需要"工多",數字攝影也不例外。所以,盡可能在不同的光線條件下多拍一些照片。拍攝時,注意記錄拍攝時所用的相機設置和光線條件,然后研究結果,看看哪種條件下哪種設置最佳。專業攝影師在拍照時對同一圖像總要拍攝好幾次,每次改變一下拍攝角度或曝光時間等設置,我們也應該這么做。大多數的數碼相機都有LCD顯示屏,你可以利用它輕松地觀察并刪除你不喜歡的圖像,所以不必擔心會因"濫拍"而造成存儲量不足,盡管放心地去拍攝多種曝光的圖像吧,這樣,最終至少會有一張好照片。
 
 
 
 
 
十大拍攝技巧        (DC愛好者也可參閱)

1.時刻攜帶相機
    你曾經遺憾地錯過多少曇花一現的畫面?如果你手邊總是有一部相機,這樣的情況就很容易避免。許多瞬間發生的自然畫面對攝影師來說,簡直就是無價之寶。為了捕捉它們,你需要時刻攜帶一部相機。當然,你的相機可能太大太重,不便隨身攜帶。那么,不妨考慮買一部便宜些的易攜相機,以備不時之需。

2.走近拍攝對象
    眾所周知,離拍攝物體越近,畫面就會越好。因為這樣可以避開無關緊要、擾亂視線的背景,清晰地呈現出拍攝物體。拍攝時,試著只顯示足夠的背景來讓你的畫面變得清晰有趣。注意要將相機調到手動模式,找到拍攝允許的最近距離。很多傻瓜相機離拍攝物體不得小于4英尺,否則無法清晰對焦。

3.讓拍攝對象動起來
    在拍攝人物時,讓他們動起來。這樣你的畫面會變得生動而自然。為了避免僵硬、靜止的姿勢,多鼓勵你的拍攝對象,讓他們積極活躍一些。你的鼓勵和提示會為他們帶來更加輕松自然的表情。

4.使用簡單的背景
    簡單的背景有利于讓觀看者的注意力集中到畫面的主角身上,帶來更加清晰、有力的視覺效果。試著去找找這樣整齊、簡單的背景吧!

5.讓主題偏離中心 (黃金分割)
   將拍攝物體放在取景器正中央并沒有什么錯。但是,如果把它放在偏離中心的位置上,就可以給人一種更加動態的感覺。

6.為風景照增加前景
   在拍攝風景照時,試著將前景收入鏡頭,可以為畫面增加深度感和立體感。

7.尋找好的光線
    足夠的光線是曝光的基本要求,好的光線能使畫面更加有趣、多彩、有立體感。強烈的陽光只是好光線的一種。很多人得知多云的陰天能為人像攝影帶來最好的光線時十分驚訝。其實,陽光會使人瞇眼,并帶來濃重的陰影。而陰天的光線則能使人物的臉部顏色十分柔和。

    8.端穩相機 (相機除了端穩,還要端平!)
   有時,一些好照片會因為你過于將注意力放在拍攝角度、距離、對焦等等技術問題上而與你失之交臂。端穩相機才是拍出清晰照片的最根本因素。按快門時,不要過于用力,輕輕一按就可以了。相機的哪怕一個微小晃動,也會影響照片的清晰度。有條件的話,最好給胳膊找一個支點,或使用三角架。

9.使用閃光燈
    充分利用內置閃光燈可以提高畫面質量。在需要的時候(尤其是室內攝影),它可以為你補光。

10.選擇合適的膠卷
    當前市面上的膠卷品牌、規格眾多。在拍攝時,檢查一下相機手動模式可以使用的膠片速度,并將拍攝環境、對象等因素考慮進去,選擇適合你的膠卷。
 
 
逆境讓我更成熟
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使用變焦鏡頭的10條經驗                   作者: 凌鯤      

    美國攝影家諾曼·羅思柴爾德在多年使用變焦鏡頭的實踐中積累了不少寶貴經驗,總結成以下10條提供給攝影愛好者參考。
    1.利用長焦距對焦。使用變焦鏡頭時,正確的對焦方法是先用長焦距對焦后,再選擇合適的焦距拍攝;因為在長焦距時,被攝體的影像最大而景深最小,這就方便了準確對焦。在遇到逆光或光線復雜的情形時,也有助于選擇適當的局部測光,而無需走近被攝體進行測光。在平時拍攝時,經常以一個中焦距或長焦距的變焦鏡頭為主,用最長焦距對焦和測光,鎖定曝光后再選擇理想的焦距拍攝,這樣就不必來回移動腳步。

    2.對各焦距要多作嘗試。大部分攝影愛好者雖然都極為關心變焦鏡頭的變焦倍率問題,但在具體使用時卻往往是長焦距一頭用得最多,有些甚至將其當作一個定焦遠攝鏡頭看待。其實,當你嘗試運用其他各焦距而獲得截然不同的畫面時,便會發現變焦鏡頭作為一種可變的取景工具,有著相當的潛能。

    3.熟悉變焦鏡頭的操作。早期的變焦鏡頭上,變焦和對焦是以二環分別調節的?,F在大部分變焦鏡頭都已改為單環控制,其特點是通過將鏡頭前后推拉來改變焦距,左右旋轉來進行對焦。因此,對剛剛購買新鏡的攝影愛好者來說,要熟悉及牢記變焦的前后方向和對焦的左右位置,避免在精確對焦之后因變焦時微稍轉動調節環而影響清晰度。這也是很多較為“保守”的攝影家寧愿使用舊式的雙環式變焦鏡頭的原因。

    4.適當運用支撐物。當運用焦距為200mm或更長焦距的變焦鏡頭時,應把鏡頭固定在三腳架等支撐物上,以保證拍攝時的穩定性。

    5.選擇合適的遮光罩。變焦鏡頭比其他類型的鏡頭更容易產生光暈,因此,一個合適的遮光罩是少不了的。有時遮光罩造成的遮擋在單鏡頭反光相機的取景屏上看不出來,但是在膠片上卻顯示出來。這種情況在使用小光圈拍攝時最為明顯,往往會使遮光罩也落入景深范圍。此外,有些遮光罩在長焦距一端有效,但變焦至短焦距一端使用時,就會使照片上產生取景屏上看不出來的因遮擋而造成的暈映現象。因而,為變焦鏡頭選擇合適的遮光罩并合理使用,是至關重要的。

    6.加用增距鏡。在需要使用極長焦距的情況下,花很少的錢購買一個2倍增距鏡,便可隨意將你的70—210mm鏡頭立即變成140-420mm超望遠變焦鏡頭,一個3倍增距鏡更可達到210--630mm,使你的鏡頭馬上躋身天文望遠鏡的行列。然而,代價將是損失光圈級數和攝得照片的清晰度。
例如,一個F4的變焦鏡頭加上2倍增距鏡后,光圈會損失2級而變為F8;加上3倍增距鏡后,最大光圈就變成了F11。如你所知,要發揮鏡頭的最佳解像力應當是選擇比最大光圈收小2級的光圈來拍攝。因此,當加用增距鏡時就必須考慮選用高速膠片和三腳架,同時,被攝體以靜止的為宜。

   7.慎用濾光鏡。除非確實需要,一般不要給變焦鏡頭加用濾光鏡。在海灘或咸水的環境下,確實需要一塊保護鏡。為了改變色溫,制造特殊效果,例如為了加深天空顏色和消除反光,需加用偏振鏡。除此之外,加上一些可有可無的濾光鏡,只會增加已經讓人頭痛的鏡頭內部光線反射問題。

    8.控制畫面深度。用一個變焦鏡頭在離被攝體1.5米處用60mm焦距拍攝,與在離被攝體7.5米遠處用300mm焦距拍攝,所得照片中的被攝體影像是一樣大小的,所不同的是兩張照片畫面深度不同。用60mm焦距拍攝的照片,其背景有深度和空間感;而300mm焦距拍攝的,給人的感覺是景物被壓縮了,被攝體與景物似乎被“拉近”了。

   9.保持距離,防止變形。在使用變焦鏡頭的廣角一端拍攝時,要注意與被攝體保持適當的距離,以免造成被攝體變形。須記住,拍攝時的距離是影響透視效果的主要因素,而不是焦距。

    10.控制景深的訣竅??梢宰鲆粋€實驗,用同一光圈,在同一距離分別以25mm和50mm的焦距拍攝兩張照片,再將用25mm焦距所拍攝的照片放大,使畫面中被攝體影像與50mm的一張中的一樣大小。比較兩張照片的背景后就會發現,放大后照片中的背景并不像第一張照片中的那么朦朧,實際上得到了更有用的景深。這種方法應用于定焦的廣角鏡頭時同樣有效。
 
 
逆境讓我更成熟
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街頭巷尾的拍攝技巧

  街頭巷尾的拍攝反映社會現實的攝影作品,在攝影圈內己經占據了一定的地位。事實上,攝影是反映現實的最好工具之一。攝影,如果離開了社會現實,單純追求色、光、線修的效果,那就把攝影技巧所采用的手段變成為目的了,這是本末倒置的。

  反映社會現實的題材十分廣泛,拍攝街頭巷尾人物活動是其中之一。有些人以為拍攝影這類題材作品要用長焦鏡頭從遠處偷拍。其實使用長焦距鏡頭是辦法之一,但是實際上卻有許多缺點。一是距離愈遠,來往行人遮擋鏡頭的可能性就越多,不一定能夠捕捉到被拍攝者適當的表情;二是長焦距的鏡頭很惹人注目,一舉相機就受到來往行人的注意。所以,兩倍左右的中焦距相機有時還派得上用場,四倍以上的長焦距鏡頭在這種場合并不十分適用。其實,真正能夠拍得好,還是盡量縮短與被攝者的距離,或者可以夸張之稱為「近戰」、「內搏戰」。

  不少初覆「戰場」的朋友總是感到在街頭攝影有點心怯,盡管捕捉到一個攝影對象,可就是欲行又止,臉上浮現出一片忐忑不安的表情,反而引起了人家的注意。為什么會這樣?主要的問題在于對被攝影的對象不熟,恐怕挨罵挨揍。有一位影齡甚老的攝影家,他一有空就到住處附近攝影。該處一帶的居民很熟悉他,知道他拍攝照片并無惡意,聽之任之,而這位攝影家的收獲亦十分豐富。由此可見熟悉活動的區域和對象是一個主要的問題。因此,建議大家不必求外,先在自己熟悉的區域著手。一方面對當時當地存在些什么問題比較熟悉,容易構思題材;另方面人面熟,出了問題也容易解決。老實說,在拍攝活動中跟被攝者發生意見,在比例上不過是百分之一、二的機會而己。絕大多數的人發現自己成為被拍攝對象時,或則掉首他向,或則以詫界的眼光望著你,如此而己。又何必因此忐忑不安?許多時候在攝影者與被攝者之間發生了意見,主要還是應該由攝影者本身檢查是否態度欠佳。相反,倘若攝影者處事平和,耐心解釋,倒可以得到對方的諒解的。若是沖洗之后,把一套照片送給人家,對方還歡迎你再拍一次呢。

  盡管有時候跟對方很熟,但是拍起照來,他就強忍笑容,表情呆板,所以捕捉神態,還是以偷拍為上。

  要使偷拍獲得成功,熟悉手上相機的性能和運用得純熟是非常重要的。有時使用「盲目射擊」亦不失為一個好方法。

  在介紹「盲目射擊」的方法之前,先講個小故事。有一次在雨天,一位創作興致甚濃的攝影家依然冒雨出發尋找攝影題材。當他跑到一家酒家門前,看見幾個建筑工人在騎樓底下啃著自備的午膳,跟金碧輝煌的酒家形成一個強烈的對比,這是一個很好的題材??墒撬航涀哌^了頭,怎么辦?他馬上當機立斷,跑過對面馬路,繞個子,冒著雨回到事前觀察好的當拍攝位置,就站在那個位置上一邊拭抹頭上的雨水,一邊觀察對方,窺正對方難以下咽的表情時,另一只手就按下快門,拍得了一張杰作。據他說當時相機內裝的是二百度膠卷,用F3.5光圈,一百二十五分之一秒,沖洗出來曝光準確。

  用一些小動作作掩飾,因而能夠在適當時機按下快門,這是偷拍法的精髓。偷拍不能貪多,一張起,兩張止。能夠拍得第三張的機會是很少的。所以在按下快門之時,畫面上人物的分布,表情捕捉的時間都要心里有數,不能達到百分之一百,起碼也要有七、八成把握才可按下快門,以免功虧一簣。

  另一個要注意的是「盲目射擊」在技術上的控制和掌握。首光要注意的是所拍攝到的范圍,相機的位置擺歪一點,就差之毫厘,謬以千里。有時候縱使拍到主體,但是卻偏處底片一卷角,缺乏了背景的烘托,則難以點題。在這方面用雙鏡頭反光機確是比較容操縱,因為此種相機的機身較厚,上下偏側都比較容易發覺,控制較易。

  要解決控制拍攝的范圍,平日必須多練習。在練習的時候把鏡頭對準某一方向,心里就估計這個角度可以拍攝到多大范圍,然后在觀景器中觀察這個做計是否準確(相機的位置切勿變動))。一方面經常作目測估計,一方面也要裝上膠卷來練習。因為在臨場拍攝時,每每由于心情的變化而影響到成績的。只有從不斷的實習中才能獲得鞏固的效果。

  當你經過多次實習「盲目射擊」之后,會發覺控制左右兩側,較易得到正確的位置;但是控制相機的俯仰卻是比較困難,盡管己經是加倍注意,可是實際觀察一下,不是偏向上就是偏向下。有經驗的朋友一致推崇的好辦法是,把相機掛在心胸正中(即腹部之上)。這時,要把相機的皮帶收短一些,免得相機下墬到腹部。因為靠近腹部,因呼吸影響,相機容易形成仰攝角度,變成拍得天空過多。

  為了便于隨時可以拍攝,最好不帶相機皮袋,這樣,隨時可以按下快門。等到運用純熟之后,鏡頭所向就是正確的拍攝范圍,帶上相機皮袋也不會覺得阻手阻腳時,就可以一手抓開皮袋,另一手立即按掣,影完之后,立即又把皮袋蓋上。

  對距離的控制也要經常作練習。練習的方法是先將距離標尺退到無限遠的位置,然后扭動掣盤,把標尺推到最近的距離,經過多次閉目實習,掌握到掣盤位置扭動多少是從最遠到最近,又扭動多少是十呎、十五呎等,總之每次都是以無限遠的位置作起點,練得純熟了,就可以不望相機而隨時對準離位置,隨時都可以拍攝照片了。

  倘若對于上述的控制方法未有足夠把握,只有在拍攝時多花一些功夫。當你背著相機在街上走動,首先就要撥好曝光時間;從開闊的街道走到橫街窄巷,光線暗了些,又要調整一下。距離一般對在十五呎,那么,在相隔一間鋪位遠處攝影就很合適了,否則,臨時略為調整也不會很困難。另一個辦法是發現題材之后,轉個身悄悄的調整好光圈、快門、距離,然后跑到自己己經選擇好的拍攝位置站好,等到適當的時機就可以按下快門。

  有的朋友認為作狀縛鞋帶是「妙」法之一。這對初「戰場」的朋友可以稍減心悸的威脅,但是角度太低,不很理想。在走路的時候按快門也是方法之一。問題是當時能否捕捉到適當的表情,否則走過了頭又要繞個圈子倒回來就麻煩了,而且邊走路邊按快門,相機容易震動,在按快門之前要略略停步才好。不管使用任何一個方法、曝光時間是要求快門,最好速競鮮一點(二百五十分之一秒以上),以免相機震動。因此相對而放大光圈是正確的。不過由于光圈大、景深短,就要注意到對焦的要求更準確一點。

  有的朋友認為拍攝現實的題材,就是看見什么就拍攝什么。他們把現實題材看成是「純客觀的反映」,沒有進一步去研究這個純客觀反映所產生的效果。

  這種看法還是比較片面的,拍攝現實題材作品,最要是反映一個問題,這樣的作品成功與否,不在于攝影技術,而在于它的表現力。     資料提供: 中華攝影報(中華攝影學會攝影研習班)
 
 
逆境讓我更成熟
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夜景攝影的一些技巧  

一、夜景攝影的一些技巧
   1 主體突出,主題鮮明 夜景攝影,由于天色黑暗,一些不必要甚至破壞畫面的景物被黑暗隱沒,而被攝主體或景物的主要部分,因為拍攝的需要,配以適當的燈光加以突出,給人們以鮮明的印象。譬如拍攝一個建筑工地,其中的一些雜亂堆積物,或破舊的工棚,白天在畫面上委難避掉,但在夜間,這些東西大都隱沒在黑暗中,被攝主體卻可以利用燈光很容易地突出來??梢?,夜景攝影具有主體突出、主題鮮明的特點。      
    2 夸張景物,渲染氣氛 夜景攝影,由于有獨特的拍攝方法和影調處理手法,使得它具有夸張景物、渲染氣氛的特長。它能利用燈光造成影調,把被攝景物夸張地表現出來,使它們比現實中的景物更突出,有強烈的感染力。另外,它還能采取特殊的拍攝技術,充分利用周圍環境的特點,加以合理的渲染,使拍攝現場的氣氛十分濃烈。
例如,拍攝一個火車站,如果在白天拍攝,畫面上并不熱鬧,火車不多,氣氛不濃。如在夜間拍攝,就可以用多次曝光的方法,每來一輛列車開一次快門,這樣畫面上就留下條條明亮的火車頭的車燈線,從而獲得火車奔馳的繁忙效果。
    3 光源繁多,作用雙重 夜景攝影往往會同時出現很多光源,和白天攝影的光源不同。象燈光、火光、月光、或落日余暉等。在夜景攝影里具有雙重作用:既是照明的光源,又是畫面不可缺少的組成部分。一張夜景攝影作品,畫面上沒有燈光、火光、月光照明的景物,那么夜景攝影的氣氛就大大減弱。
    4 拍攝對象,靜物為主 拍攝夜景,被攝對象以靜止的景物為主,一般不宜拍攝動作迅速的物體。因為夜間光線委弱,各種景物的照度很低,拍攝時需要較長的感光時間。另外,夜景光線反差很強,亮的地方與暗的地方相差十分懸殊,如果采取快速曝光,不公會使底片曝光不足,而且使畫面層次減少,照片缺乏魅力。

二 、夜景攝影的注意事項        
    1 防止照相機移動 拍攝夜景照片時 ,照相機要擰緊在三腳架上,或放在平穩牢固的地方。調節光圈,按動快門,觀察景物,都不要碰動機身,特別是進行多次曝光時,更要嚴格要求,否則,底片會出現重影,使拍攝失敗。
    2 光圈的運用 拍攝夜景,要特別注意運用光圈。因為它影響景物的清晰度。有些夜景,由于光線十分暗淡,拍攝距離無法精確確定,因此,常常用縮小光圈、增加景深范圍的辦法來對付。拍攝夜景,常用的光圈為f5.6或f8。有些景物的位置比較固定,光線變化也不大,那么光圈可以適當 小一些,但曝光時間要相應延長,這樣,景物的清晰范圍可以更大一些。進行多次曝光時,可根據現場光線的強弱,用光圈來調節感光量。
    3 距離的測定 拍攝距離的測定要盡量準確,否則直接影響景物的清晰程度。一般地說,拍攝大場面夜景,距離可放在無限遠處。拍中景,近景,就要進行對焦,把焦點對得越清楚越好。焦點應定在被攝主體或景物的主要部分的位置上,用手電打亮后再測定。也可利用被攝主體附近的光亮點來代測。距離一旦確定,在拍攝過程中就不能任意變動。
    4 曝光的掌握 夜景攝影的曝光比較復雜,無法依靠測光表,應該從實際出發摸索規律。其曝光方法有兩種:一次曝光和多次曝光。
    (1)一次曝光:一次曝光比較容易掌握。拍攝前,拍攝前,將照相機架在三腳架上,然后確定拍攝對象和取景范圍。取景完畢,再檢查一下照相機的固定情況,并用快門線控制快門的開啟,進行一次時間的曝光。無快門線,可用鏡頭蓋來控制已開啟的快門。
    (2)多次曝光:兩次以上的曝光稱為多次曝光。它是在一次曝光不能完成拍攝任務的情況下才使用的一種方法。利用多次曝光,可以分次攝取部分景物,使畫面內容豐富,形式活潑。
運用多次曝光,應該注意:一是要把光線強弱不同的景物分開,使最暗的景物先曝光、多曝光,最亮的景物后曝光、少曝光。二是有些景物無法進行先曝光、多曝光,可加用人造光適當加強暗處景物的亮度,以調整畫面的反差。三是對一些光線過強或過弱的景物,無法在現場調整時,可在拍成的底片上進行減薄或加厚處理,也可放大時進行補救。
夜景攝影的曝光,很難有一個確定的數字。曝光時間在一秒鐘以上,都要靠拍攝者憑經驗估計。一般說,進行一次曝光時,曝光量要掌握得更嚴格一些。多次曝光時,曝光時間的伸縮余地較大,如果發現某些景物或景物 的某些部分感光不夠,可以再開一次快門進行補救。不管一次曝光還是多次曝光,開拍時的天空尚有落日余暉,那么曝光時間要扣得緊一些,寧可感光不足,不可感光過度,一過度,照片就會失去夜間的特點了。
為掌握夜景攝影曝光時間,現提供夜景曝光時間表,以供參考。

三、夜景攝影實踐     
    1、工地夜景的拍攝 工地夜景包括正在施工的工廠、樓房、水電站、鐵路、礦山、車站、碼頭等。這類題材的拍攝角度,要根據作者的創作意圖和工地特點來選擇。拍攝時機最好是工地建設處于高潮階段,或者工程快要竣工時。為了烘托主體,交待環境,要注意利用周圍的自然條件,如山峰、河水、月亮、臨近的建筑物等。如果傍晚或黎明前拍攝,不要使天空部分感光過度。曝光方法,可彩一次曝光,也可進行多次曝光。如工地燈光尚示完全開亮,而天空又示斷黑時可多次曝光,先對感光,并錄下景物輪廓,而后拍攝燈光燈光。工地夜景,要注意表現現場氣氛。
    2、農村夜景的拍攝 一般在說,農村夜景的燈光不及城市、工地里的集中,但處理得好,也能拍出比較理想的環境,如收割機夜收、拖拉機夜耕、打谷場、小型水電站、露天電影、村頭演出等夜景。為了突出人物的活動,應該選擇周圍一自然景物,象糧垛、草垛、樹林、山巒、流水、雪地等來陪襯。
    3、城市夜景的拍攝 城市由于人口密集,住宅密布,景物比較雜亂,因此,夜景拍攝者一定要明確創作意圖,從而選擇一定的角度和景物。拍攝角度的高低,要視景物的高度而定。另外,拍攝位置要選擇比較僻靜的地方,既不影響交通,又不容易被行人碰撞。如果拍攝夜間流行隊伍、街頭演出,最好使用快速感光片,不易造成影像虛糊。城市夜景攝影的曝光,一次、多次均可,要視景物的情況來定。
    4、月夜的拍攝 拍攝月夜照片,可以先后拍攝兩張底片,然后在暗房疊放而成。方法是:先用長時間曝光,在一張底片上拍攝月光照射下的景物再用短時間曝光,在另一張底片上拍攝月亮。當然也可以在一張底片上拍攝月夜。曝光時,先用手把月亮遮住,在地面景物曝光結束前幾秒鐘,將手移開,使月亮在底片上曝光。如果拍攝時天空有云,可在月亮鉆進云層時,對地面景物曝光。等月亮從云層中出來,再對月亮進行明曝光。
    5、夜間訓練的拍攝 部隊和民兵夜間訓練、警戒、巡邏等活動,也能拍成較美的夜景照片。拍攝夜間射擊,使用發光的彈藥最為理想,可通過槍彈的火光拍攝戰士的行動。拍攝探照燈警戒夜空,可采用多次曝光的方法,一次拍攝探照燈的光柱,一次拍攝地面景物。拍攝軍艦夜航訓練,可以用慢速曝光,在底片上留下軍艦燈光的白線,使軍艦有動感。同時,要設法拍出般身的輪廓和燈光倒影,畫面又有靜感,靜結合,照片的表現力就強了。
拍攝戰士和民兵站崗、放哨的夜景,可用多次曝光,一次拍攝燈光或月光下的戰士,再一次拍攝警戒目標。
    6、焰火的拍攝 拍攝焰火,事先了解焰火的發射方向,確定拍攝的角度和地點。如果拍攝焰火的全過程,在焰火將要上長升、開花、熄滅。如果拍攝焰火的局部,等焰火升騰后,快要開花時,將快門打開,把最有代表性、最精彩的一剎那記錄在感光片上。也可以用兩張底片分別拍攝,用其中一張底片的上半部攝影地面景物,然后進行迭放,合成一張漂亮的焰火照片。還可以用一張底片分兩次拍,一次用較短的時間仰攝焰火,加一次用較長的時間俯攝地面景物。必須注意的是,在拍第二次時,不要將地面景物 與空中焰火重疊。為此,拍攝之前,應該估計好兩部分景物在同一畫面上的分布。
 
 
 
 
 
藝術與攝影         轉:《攝影構圖學》  
   
  
  攝影,已經成熟了,而且已經成為一門藝術。
  
  這一說法可能會引起那些純粹派藝術家的異議。他們會說,攝影是機械的產物,而藝術無論如何不是機械的玩意兒。他們認為,攝影家只能記錄他面前已經存在的事物,只有一點點調整機械的活動余地而已。
  
  藝術形式的不斷變化
  
  藝術是和某種材料和操作工藝分不開的。而藝術形式和所用的材料卻在不斷變化。近年來,丙烯顏料、拼貼畫、多種材料的組合雕塑等一個個新的藝術手段加入了公認的藝術創作行列。
  
  但藝術只是部分地依靠原材料和操作技術。它的最重要的特點還在于藝術家從題材中提取基本視覺美點的能力和用一種能對觀眾產生刺激作用的方式記錄下來的能力。畫筆、顏料、蝕刻針僅僅是藝術家的工具。它們不能保證藝術創作的成功,正像丁字尺和三角板不能保證產生優秀的建筑一樣。對于相機來說,也是這樣。作為藝術家的工具,它可以有助于產生藝術品。如果在非藝術家的手中,即使懂得技術知識并且用心去做,也產生不了藝術品。所以可以說,相機是一種靈敏的工具,它是按照操縱它的那個人的思想行事的。
  
  每次關于藝術的討論總要牽涉到這樣一個問題;為什么一件作品可以稱為藝術品,而在許多方面都很相似的另一件卻不是?這個問題在很大程度上是由于三個基本概念的混亂引起的:
  
  1.藝術和自然的異同。
  2.視覺形象思維和文字概念的不同。
  3.藝術和手藝的關系。
  
  藝術和描繪自然
  
  十四世紀以來,藝術家為了跟上當時科學研究的熱潮,對大自然進行了精細的研究,并且在他們的作品中加入了更符合大自然實際情況、有科學根據的細節。解剖學、透視學、光線、三度空間甚至衣服的皺褶都受到極大的重視,以致老實的觀眾得出這樣的結論:藝術就是對自然的模仿!這種科學地觀察和描繪自然的活動,在十九世紀達到高峰,這就是印象主義繪畫。印象主義畫家在表現五光十色的光線方面極為成功。人們能從他們的畫里判斷季節、一天的某個時間和當時的氣候條件。
  
  大約在同一個時間,攝影術發展了,并且被廣泛應用?,F在,許多藝術家幾個世紀以來苦苦追求的事情,這個“小黑盒”一下子就做到了。任何人都能相當容易地拍出一張照片。
  
  藝術家們擺脫了如實記錄的重擔以后轉而探索藝術的更本質的特征。他們的試驗把我們引向藝術和自然關系的某些重要結論。自然界有它本身的美,但描繪自然美的照片并不能自動成為一幅美的作品。一些照片即使聚焦清晰、曝光正確、印放得當,如果缺乏趣味。無論是剪裁、遮擋還是增添什么景物,都不能彌補它們拍攝時所缺乏的東西--就是攝影家心目中超越題材固有美之外所認識所發現的美的因素。相反,通??磥聿⒉幻赖淖匀换蛉宋?,卻能拍成很美的照片。當然,藝術家內在的想象力和熟練的技巧相結合,用這樣的題材也能拍出美好動人的照片來。
  
    藝術和抽象的視覺美點     
  
  藝術效果完全取決于藝術家是否從這個題材中發現了或感覺到了抽象的視覺美點,以及他去粗取精地處理它們的能力,經過他的處理觀眾是否能夠看到藝術家曾經看到過的東西。從攝影家的角度來說,自然界的東西既不是美的,也不是丑的。只有藝術家才有能力發現美,并把它展示給其他人。
  
  現在問題明確了,藝術品的質量和自然物的面貌關系很少。藝術品是由某種抽象的美點構成的,它和機械地模仿自然是兩回事。維妙維肖不能作為藝術品的出發點,也不是評價藝術品的標準。效果好的照片是既不違背自然形式,又力求高度簡化,敢于大膽處理線條、形狀、色調和質感的那些作品。藝術就是要選取這些視覺美點,讓它們占據主導地位,去掉那些無助于藝術家確立的中心思想的東西,或者把它們降于從屬地位。
  
  這些視覺美點大量存在于我們周圍。我們對它司空見慣,以至于熟視而無睹。每一個題材,不論是重大的還是平淡的,都包含著視覺美點。它幾乎是無限量的。有時候它只存在片刻,稍縱即逝。有時候它隱藏在極普通的外表下面,貌不驚人,難以辨認。
  
  從題材中發現這類線條、色調、形狀和質感,把它們納入取景器,按照攝影家的要求給以合理安排,然后印成他滿意的照片,使觀眾一目了然,這就是構圖時要做的全部事情。
  
  構圖--從混亂中找出秩序
  
  構圖是一個思維過程,它從自然呈現的混亂事物之中找出秩序,把大量零散素材組織成一個可以理解的整體。構圖是對這些素材的反應過程,也是探求途徑,把這些素材組織起來的過程,目的是向人們傳遞。攝影家已經體會到的興奮、崇敬、畏懼、驚異或同情。通過構圖,攝影家澄清了他要傳遞的信息,把觀眾的注意力導向他發現的那個最有趣是重要的部分。
  
  冒牌的攝影藝術
  
  那些對攝影和繪畫都懂得很少的人,有把這兩種表現手段混淆起來的危險。他們沒有能力在畫布上從容自如地使用顏料,于是就轉而想用相機獲得貌似藝術的效果。他們的照片使人想起柯羅(1819一1877,法國風景畫家家一一譯注)和他的模仿者們:界限模糊、情緒低沉、朦朧不清、酷似繪畫。隨著繪畫界幾何抽象派、抽象表現主義、流行派藝術和極少派的出現,攝影界也興起了一種假冒的藝術攝影家。他們是攝影的褻讀者。但他們模仿的不是古代的而是現代的繪畫。他們處理形象時也潑灑化學藥品,使用顏料,硬加外來的材料,用這些辦法獲得浮淺的抽象藝術的效果。事實上,通過光學、化學渠道已經有那么多的事情要做,有什么必要去乞靈于模仿呢?
  
  抽象藝術的特點是,首先,它非常強調線條,其次是使用色彩的組合去追求美學效果,而不是描繪自然。此后,立體派發展起來了,大量不同形式的抽象派作品相繼出現。那些認為立體派和抽象派作品是現代風格的人,當他們知道了立體派得溯源于1908年時,一定會大吃一驚的!
  
  從某種意義上說,抽象派作品的動機是想證明。大量豐富多彩的繪畫只需要運用線條、明暗、顏色、形狀、質感等抽象成分就可以創造出來,和現實世界的主題很少有關系或者根本無關。
  
  現在,這種論點早被充分論證過了,而且經過長期流行人們也已厭倦??磥憩F代藝術觀點又要和寫實主義發生聯系了;然而這是和過去的風格不同的一種寫實主義,它趨向于強調一種抽象因素,這種抽象因素是各種視覺藝術的基礎,包括攝影以及繪畫、制版藝術和雕塑在內。
  
  雖然自然物的某些方面經常是人類藝術的模特兒,但在美學上成功的程度卻直接關系到所強調的因素,即線條、形狀、色彩、立體感和質感。優秀的藝術品一般說來都是反映了自然中的這些因素。拙劣的作品幾乎都是只會模仿自然,很少注意或者根本不去注意這些因素。
  
  任何一種藝術,如果它自覺地或不自覺地模仿其它藝術的話,那它就是否定了自己作為一種藝術的價值。攝影家如果用攝影器材去生產別人用顏料或雕刻工藝已經生產過的東西,那他就是把自己降于劣等地位,他的藝術作品(如果可以叫做藝術作品的話)也就是劣等的。
  
   視覺形象思維和文字概念
  
  也許因為我們所受的教育大部分是用文字完成的,我們總是企圖從照片里讀出文字含義來,或者找到“另外的文字”來闡述藝術家的教誨。然而,“另外的文字”根本沒有。攝影家的信息純粹是視覺的,照片中呈現的任何意義只能看,不能讀。照片只能依靠它的視覺美點給人以深刻印象。搜集有關主體的或處理方法物奇聞逸事對藝術價值不起作用,它只能引起困惑。
  
    藝術和手藝
  
  為什么手藝和藝術經常被混為一談,甚至有時候把手藝看作是藝術的同義語,這是很容易理解的。觀察熟練工人的表演,就容易夸大靈巧的操作和出色的產品之間的關系,從而錯誤地認為二者是一回事。事實上,一個攝影者拍出一張技術上完美的照片是比較容易的,但這幅照片作為一個整體來看,除了和它有關的人員之外,可能不會吸引任何人。
  
  許多藝術家的那種富于挑戰性的性格使他們喜歡反駁那些已被公認的東西。反傳統主義成了大多數藝術家的傾向。
 
 
 
 
 
戶外拍攝人像的一點心得               轉: 蜂鳥工作室

  1、 什么器材?我想愛拍的人無不例外地喜歡器材,當然器材越好,越豐富,越有助于你去拍各種題材的片子,但拍人我個人認為一支鏡頭基本上就夠了。一支焦距在105mm左右的鏡頭,有很好的虛化背景的能力,它還能真實地表現人物面部特點而不產生變形,而且你可以在離被攝者非常合適的距離進行拍攝和交流(你既不用在很遠的距離大聲和她說話(用長焦鏡頭),也不用在太近的距離給她造成壓迫感(用廣角鏡頭,還易產生變形))。一架有光圈優先功能和暴光補償功能的相機,此乃個人主觀愛好,我認為光圈優先加補償完全匹配人像拍攝,光圈優先基本上讓你避免暴光的計算,而暴光補償在光線變化時能非常方便地進行調整。
  
  2、 一塊反光板。反光板的投資比起器材來可說是九牛一毫啊,你甚至可以自己動手做一個,但反光板的作用太大了,可以說反光板是必須的,它可以很好地補償你不喜歡的面部陰影,而且表現人物的眼神絕妙。如果你手邊沒有反光板,臨時一張白紙(只要夠大)也行,或者拍攝時找一可以有些反光的墻都行,盡量不要用閃光燈,它會使人物面部生硬。
  
  3、 尋求光線。沒有一定之規,當然要避免強烈光線,光線強烈時,找一光線能透射進的樹蔭就好,逆光表現我很喜歡,透視感好,重要的是能用反光板把光反射到被攝者,使她的面部光線均勻。另外傍晚的確適合人物的拍攝。
  
  4、暴光測量。對面部測光,寧過勿欠,一是我們是黃皮膚,拍MM時不妨讓她的面部明快一些,二是負片對過暴的寬容度比欠暴好得多。后期放大可調整。這時候暴光補償的功能也就發揮出來了,如果不針對面部測光,有些經驗供參考,一般情況+1/ 3-1/2EV,逆光無反光板+2EV, 加反光板+1EV,不是絕對的,具體情況具體分析。
  
  說了半天都是設備和技術,下面說點拍攝過程。
  
  1、 交流和被攝者的交流非常重要,比如在去拍攝地的路上跟她聊天,談談任何她想說或者大家共有的話題,目的是要她放松,讓她不潛在地拒絕拍攝,只有輕松了,才能拍出自然的片子。一邊拍一邊交流也是非常值得推薦的,不要指望在第一卷就能出好片,因為她很可能在這一卷中還沒有完全進入情況。好了,她進入情況了,連續拍攝你認為好的畫面,你還要明確地告訴她細微的調整,當然主要的姿勢神態是她要表現的,但細小的地方,你在取景器里發現要調整一定要明確地告訴她,比如“臉稍微往左側一點”“微笑稍微露一點牙齒”,“手指要并攏或著稍微彎曲一點”or“深情地望著我好像看你的愛人”,呵呵,這是很重要的,你不給她這么明確的意圖,她將無所適從。另外要鼓勵,不斷地夸獎她,說一些贊美的話將很有必要幫助,她會表現越來越好。再有就是保持節奏地拍,這里我私下認為一臺能出聲音的馬達和連續的快門聲能使你和她都感覺良好,拍攝者也是要進入情況的。
  
  2、 尋找她的最佳角度每個人都有她的一個或幾個最佳角度,相對應的是難看的角度,怎么找我想一是靠觀察,再就是多拍積累經驗吧,要相信自己的感覺,一般來講,是要從多個角度來拍攝的,側面表現生動,仰拍表現人物的自信和傲慢,等等。
  
  3、 抓住她的眼神眼睛是心靈的窗口,一點都不假,抓住她的眼神,你就成功一半了,反光板的用處在這里得到了體現,一定要讓她的眼睛里有你的反光板補的光。我只能說這么多,因為這是一個我一直學習的方面,希望你也能多給我提供經驗。
  
  4、 避免破相的地方。舉一個例子,這個MM的牙尤其是下牙很不好看,拍攝時候就要避免她露出下牙,尤其是近距離拍攝,我采取的方法就是讓她微笑稍微露出牙齒而不露下牙,舉一反三吧。
  
  5、 多拍選優這并不等于浪費膠卷,因為如果你不得要領,你就是拍10卷可能也沒有好的作品,但有時比如她有一個好的表現但你按快門時她閉眼了,或者細微地方不甚完美,就要靠你多拍來彌補了,多按幾次快門,你就少一些遺憾,雖然攝影是門遺憾的藝術。
 
 
 
 
 
關于逆光攝影

逆光攝影的藝術效果

一、逆光攝影的基本特征
  攝影的本質是光,光是攝影的命脈和靈魂。劉半農先生曾說過:“景物雖好,而不能采取適當的光,畫面仍是死的。”
  逆光拍攝是攝影用光中的一種手段。廣義上的逆光應包括全逆光和側逆光兩種。它的基本特征是:從光位看,全逆光是對著相機,從被攝體的背面照射過來的光,也稱“背光”;側逆光是從相機左、右135°的后側面射向被攝體的光,被攝體的受光面占1/3,背光面占2/3。從光比看,被攝體和背景處在暗處或2/3面積在暗處,因此明與暗的光比大,反差強烈。從光效看,逆光對不透明物體產生輪廓光;對透明或半透明物體產生透射光;對液體或水面產生閃爍光。
  如果我們能將逆光攝影的手段運用得當,對增強攝影創作的藝術效果無疑是很有價值的。

二、逆光攝影的主要藝術效果
  逆光是一種具有藝術魅力和較強表現力的光照,它能使畫面產生完全不同于我們肉眼在現場所見到的實際光線的藝術效果。它的藝術表現力主要有如下幾個方面:
  第一,能夠增強被攝體的質感。特別是拍攝透明或半透明的物體,如花卉、植物枝葉等,逆光為最佳光線。因為,一方面逆光照射使透光物體的色明度和飽合度都能得到提高,使順光光照下平淡無味的透明或半透明物體呈現出美麗的光澤和較好的透明感,平添了透射增艷的效果;另一方面,使同一畫面中的透光物體與不透光物體之間亮度差明顯拉大,明暗相對,大大增強了畫面的藝術效果。
  第二,能夠增強氛圍的渲染性。特別是在風光攝影中的早晨和傍晚,采用低角度、大逆光的光影造型手段,逆射的光線會勾畫出紅霞如染、云海蒸騰,山巒、村落、林木如墨,如果再加上薄霧、輕舟、飛鳥,相互襯托起來,在視覺和心靈上就會引發出深深的共鳴,使作品的內涵更深,意境更高,韻味更濃。
  第三、能夠增強視覺的沖擊力。在逆光拍攝中,由于暗部比例增大,相當部分細節被陰影所掩蓋,被攝體以簡潔的線條或很少的受光面積突現在畫面之中,這種大光比,高反差給人以強烈的視覺沖擊,從而產生較強的藝術造型效果。具體地說,首先,它能使背景處于背光之下,曝光不足,色彩還原差,使背景得到凈化,從而獲得突出主體的效果;其次,它能生動地勾勒出被攝體清晰的輪廓線,使主體與背景分離,突現被攝體外形起伏和線條,強化被攝體的主體感;再次,它能深入地刻畫人物性格,由于整個畫面受光面積小,面部與身體的大部分處于陰影之中,形成以深色為主的濃重低調畫面,有助于表現人物深沉、含蓄、肅穆或憂郁的性格。同時,由于影調反差對比度較大,明暗光線布局強烈,既可使人物面部的某些缺欠借助強光加以沖淡,又可利用背光的暗影予以隱匿,以取得揚長避短之效。
  第四,能夠增強畫面的縱深感。特別是早晨或傍晚在逆光下拍攝,由于空氣中介質狀況的不同,使色彩構成發生了遠近不同的變化:前景暗,背景亮;前景色彩飽和度高,背景色彩飽和度低。從而造成整個畫面由遠及近,色彩由淡而濃,由亮而暗,形成了微妙的空間縱深感。

三、逆光拍攝應注意的幾個問題
  逆光拍攝有較強的藝術效果,但要拍好逆光照射下的景物,是有一定難度的。主要是它的反差大、變化多,而且主要部位大都處于陰影之中所至。因此在逆光拍攝中,一是曝光時不要被畫面中大面積陰暗背景的光線所欺騙,而應以被攝主體的亮度讀數為依據,其余在所不計。如拍攝朝陽或落日,則應以太陽的亮度為測光的主要依據;拍攝低調人像時,則應以人物的高光部位為測光依據。二是在逆光拍攝中,近景,特別是拍攝人像時,應選擇適當的輔助光(用閃光燈或反光板等補光)。三是拍攝剪影時,應以明亮的背景亮度作為曝光依據。四是逆光拍攝花卉時,應選擇較暗的背景予以反襯,以造成較強的光比反差,強化逆光光效,達到輪廓清晰,突現主體的藝術效果。五是由于相機還對著強光源,要注意眩光的干擾。應有遮擋措施(用適當的盡可能長的遮光罩,或用手、帽子、紙板等在鏡頭前遮擋),或略向旁偏移,調整為拍攝角度等辦法,防止太陽或燈光直射鏡頭,使眩光消失后再按動快門。
 
 
 
 
 
攝影十大謬誤

    攝影之奧秒,就是它包含了很多元素,您可把它看待成一種藝術,同時也是一種科
學,用相機去創作,某程度上跟畫家用油彩畫筆創作一樣,但攝影卻又很重視器材的攝
影師必須了解相機和鏡頭的特點。 可是,正因為攝影那么的博大精深,涉及的元素又多
,不少人都會對之產生很多誤解和謬見,有不少初學攝影的朋友更不知不覺被誤導了。
因此,我們特地炮制了這篇文章,與大家一同分享一些常常被人誤解的攝影問題。
  誤解一:鏡頭反差越高,解像度就越高
  有些拍友,當使用某鏡頭拍攝時,會發覺所拍攝出來的影像有很高的反差(一般稱為
較「硬」),又或者看起來很鮮明,便沖口而出說某某鏡頭解像一流。一旦看反差弱的照
片時(即常稱作為較柔時),便聲聲道鏡頭解像不良。這一種說法,似乎有點武斷,其實
解像度和反差是兩樣東西來的,不應一概而論,當然又有些相關的地方。 甚么是解像度
? 解像度(Resolution)其實是經過一些標準的測驗得來的數據,是利用一張黑白的線條
圖表,在不同的光圈下用鏡頭拍攝,然而最標準的數據理應是由機器讀出,但某些雜志
或試驗所用菲林顯像作人眼判斷,這似乎會帶有一些客觀因素,如菲林的處理過程或人
眼的限制等,但一般都可接受,因為至少可找出同一支鏡頭在不同情況下(不同光圈或焦
距)的解像表現,毋須與其它鏡頭比較便成。一般來說,越能在同一范圍分析出越多線條
的數目就越有解像力,即是較銳利的鏡頭。 甚么是反差? 反差(Contrast)雖不代表解
像度,但也不無關系,但不能說反差高,解像便高。反差其實是指鏡頭將暗位層次表達
的能力,一個影像必須有光和暗兩個對比,反差高是指光與暗之間明顯分隔,而中間可
能沒有太多漸層(gradation);而反差低則指光與暗之間不夠明顯或不夠鮮明,但有較多
的層次,看起來可能會使人覺得較呆板。 對于彩色或黑白的影像,反差的定義也是一樣
的。一般人誤會反差高是好的,沒錯,反差高確是較鮮明和調子輕快,但是沒有豐富的
層次,剛才的高解像度便失去了意義,令整體的仔細表現會有阻礙。惟反差確是很主觀
的東西,未必有一個標準,但具體上一支全面一點的鏡頭會較受歡迎,何況現今的菲林
也有很好的反差及層次,也有不同的選擇,如專為拍人像而設的,又有專為還原準確色
彩而設的菲林,拍友們也毋須太過盲目追求。
  誤解二:加1B天光鏡好過UV濾鏡
  每當買新鏡頭時,都會考慮買一塊保護鏡頭的濾鏡,一般1B SKYLIGHT和UV兩種,前
者比后者昂貴,有人說UV只是一塊玻璃,而1B拍人像會靚些又或者拍攝的色彩會準確些
,所以會偏選1B,但這種說法似乎并不太合適。 1B skylight濾鏡正式來說是一塊有顏
色的顏色濾鏡,是其中一塊標準化的矯色濾鏡,可隔除360nm或以下的光波(屬于較藍色
的光線至UV),并同時可輕度吸收約550nm的光波(即綠色光線),總括是用作減輕于山區
或海邊拍攝時的偏藍現象和樹葉的綠色反光,在綠油油草地上拍攝人像就可能用得著。
可是,在直接的陽光下拍攝,這塊1B濾鏡是全廢武功,換句話說,也僅是一塊玻璃。 U
V濾鏡則是用來隔除肉眼看不見的紫外光,因此在色彩上(一般彩色菲林乳膜上根本無法
對UV顯現色彩)是全無影響,但據廠方的建議,它的最大作用是將拍攝無限遠的模糊情況
改善,但老實說,天氣才是最終決定因素,要是空氣中塵粒多或濕度高,加多少塊UV也
是徙然的。 既然是這樣,甚么濾鏡都不加又是否最好呢?對的,光學上是絕對是好的,
因為加上了一塊玻璃,可能會弄巧反拙,但這又未必可以由肉眼察覺得到,再仔細衡量
之下,買一片玻璃保護前組鏡片,似乎比起一丁點兒的光學損失來得重要。但是1B還是
UV,那就悉隨尊便。但花錢買一塊有多層涂膜的UV已很足夠了,既可保護鏡頭,又可減
少光學的損失,較為值得。
  誤解三:專業菲林靚過業余菲林
  有一些拍友常有一錯覺,以為專業菲林的影像質素一定比業余菲林好,但往往發覺
事實又不是那么明顯,就歸究所用的相機、鏡頭、測光表等等不夠好,甚至是自己,這
看來有點可憐。 專業菲林確有比業余菲林優勝的地方,但不代表業余菲林一定是差些,
其實我們只想道出專業菲林是專為專業攝影師而設,要用得它們出色,辦法很簡單,學
學怎樣去當一個專業攝影師便行了,所需要的不一定是專業器材,反而是技巧,尤其是
處理菲林的技巧。 各位不妨去嘗試買些專業幻燈片來試用,您會發覺陳列的地方都會有
一個雪柜,再留心菲林上的說明,除了使用限期外,還有一個建議儲存溫度,一般約為
十二、三度。專業菲林靚在夠新鮮,若能在保存時依足所建議的環境,菲林會得到預期
的效果,但隨意處理菲林,一時又到甲店,一時又到乙店沖曬,敢保證每次沒有不同的
色彩表現才怪哩。當然,還有很多處理菲林的方法,例如曝光因素、倒易率等,或可參
考說明書的指示。 業余菲林就不同了,除了expire date外,也沒有其它的指示了,而
一般都有較長較穩定的儲存期,而且寬容度高,對一般用家來說似乎較為可靠。
  誤解四:閃光拍攝一定要用X同步快門
  有不少中外攝影書籍也曾提及過X同步快門這東西,甚至有最快閃光同步快門這一名
詞。但有不少初學攝影的朋友誤解以為閃燈拍攝時要硬性使用某一檔快門。 其實,所謂
閃光同步快門或最快閃光同步快門是泛指可作閃光拍攝的快門,最快的意思是在那快門
速度以上的快門不能作閃光同步,否則會拍不到全格菲林清晰的影像,這問題是存在于
鏡后快門的相機上,而每部相機都有獨立的設計,故最高同步快門都不是全部一樣的。
使用閃光燈時,只要在最高同步快門下任何一檔,均可拍攝到有閃燈效果的照片,只是
快門越慢,現場光之曝光時間較長而己。舉例在室內拍攝,若以最高同步快門閃光拍攝
,背景未必可有足夠曝光,這使主體前景雪白光亮,而后景則昏暗漆黑;若以慢快門(甚
至便攝機中所謂Slow Sync或夜景人像模式等)同步閃光拍攝,便能獲得較具現場氣氛的
照片。 除此之外,利用較慢快門時,甚至可選擇前或后簾的同步閃光,你可調較快門一
開啟便閃光,又可以在快門關閉前閃光,均可創造特別的拍攝效果。
 
 
逆境讓我更成熟
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誤解五:微距鏡只能作近攝?
  微距鏡是專為拍攝極近距而設的,但有人說它于正常拍攝時會有質素的下降或迷信
只能用在翻拍或微距拍攝用途上。其實,根據一些光學測試,無論是以1:1或1:2和1:50
比例拍攝時,微距鏡頭的解像在大部份光圈下都有極優異的表現;而1:49或1:50時的測
試,解像度比其它同等焦距的非微距鏡頭高很多。 然而微距鏡頭最大的問題是對焦設計
是專為近距而設的,故此在數十厘米至無限遠的距離可能只須轉動對焦環不足45o,在精
確度上可能大打折扣,但現今的AF 鏡頭已非常準確了,或可彌補這種問題。 故此,以
微距鏡頭拍攝正常距離的景物,甚至人像是絕無問題的,f/2.5或f/2.8光圈或許不能盡
用,因為常會有四角失光的情況,這是難免的,但收一級光圈已能解決,相反,拍攝微
距時,細的光圈容易造成繞射現象,因而f/8到f/11都會較為適合。 但一些微距鏡用家
會知道,微距鏡解像非常高,照片看下去好象有點「硬蹦蹦」,但各人有各自的喜好,
選擇眾多,隨閣下所好吧!
  誤解六:入射式測光表比反射式準
  這種說法不夠全面,客觀來說,其實兩者都一樣準確,但對只用單一種測光方式的
人來說,相信某一種較為可靠是無可厚非的,因為兩種均有各自的操作方式及量度方法
。但以反射式測光表來說,就稍比入射式麻煩,因為往往要考慮18%灰度的限制,而入射
式可直接量度投在主體上的光度,直接獲得光圈值。 可是,我們相機上內置的均是反射
式測光表,好處是勝在夠方便,因為不用每每走在主體面前測度,而且多是TTL(Throag
h the lens),鏡頭的失光、濾鏡等曝光因素也直接包括在內,減低錯誤發生,比入射式
容易及可靠。但主體及背景的色彩(如黑或白)都會造成測度錯誤,惟一方法是作曝光補
償,只要多練習,要獲得正確曝光并不是那么艱難。 而入射式本身已有比反射式優勝的
地方,但使用上是較為麻煩,若不介意多帶一個測光表,這也沒有問題,但千萬要緊記
將鏡頭前的濾鏡等因素計算在內。 還有,如NikonF5已設有3D RGB的反射式測光表,這
意味著反射式測光還有可跳出柜框的地方,只要解決18%灰度的限制,根本不用懷疑其準
確性。
  誤解七:密封防潮最可靠
  每逢到了雨季,拍友心情就最憂愁,因為心愛的器材隨時受潮報銷,有些人就瘋狂
購買各類防潮用品,諸如吸濕器,抽濕機等。一旦下雨,就寧愿把相機鏡頭藏起,變成
濕度過敏狂,這樣子,整個夏天可能連一筒菲林也拍不完,可說是非??杀?。 老實說,
香港這里的氣候,要待RH低過60%的日子可謂少之又少,何況是在雨季。然而關上所有器
材亦未必能完全防潮,很多人都會有經驗,放在密封盒里的「陳年」鏡頭也會不知何解
生了霉菌。其實要防止鏡頭發霉,防的不是濕應是菌。要制止鏡頭發霉,首要是了解為
何會發霉,潮濕和黑暗皆是霉菌的至愛,然而菌在空氣中四散,根本防不勝防,若在密
封的防潮箱里,一樣有霉菌,若加了防潮珠(一般都會用silica gel),便能有一定的抽
濕作用(但不是永久的,一當飽和便效力全失),市面有些可將水份吸進盒內的防潮器,
雖然吸水效果好明顯,但筆者建議大家要小心,應勤一點檢查是否已滿或破漏,更要避
免放在過度高溫的地方,因為水份一樣有可能被蒸騰出來。所以,很多人寧愿有空拿鏡
頭出來把玩或者使用,見一見光已可大大減少發霉的機會。而一般放在冷氣開放的房間
,只要空氣流通,加上濕度低,鏡頭發霉的機會已非常低了。 若真的要把器材藏起一段
頗長的時間,最好是在濕度低的環境下,放進適量的防潮物料,以密封的箱盛載,記緊
要把鏡頭清潔干凈,以免細菌滋長。據說有些電子防潮器也有一定的作用,但價錢卻非
常昂貴。
  誤解八:要經常抹拭鏡片
  市面有很多專為清潔鏡頭的器具甚至抹鏡藥水,究竟鏡頭應否經常需要抹拭的呢?
一般拍友自然是疼愛自己的器材,看見鏡上沾了一粒塵已驚惶不已,急著買東西來清潔
鏡頭。 有一些人會用有掃的氣泵把塵粒掃走或吹走,甚至用抹鏡紙及藥水擦拭,但這是
不太好的,除非鏡面上所沾的污漬如手指模較難清潔,否則不要貿然用東西擦拭鏡頭表
面,因為此舉可能會弄花鏡面,也可能令部份涂膜脫落,但現今的涂膜已相當穩固,然
而此舉始終太危險了。 建議為鏡頭加裝一塊UV或IB skylight濾鏡作保護,就算弄污了
也可隨意抹,甚至換一塊新的,怎也比弄花鏡頭的鏡片化算得多。 若真的需要,購買鏡
頭紙或鏡頭清潔劑時要小心,避免使用有酒精成分的清潔劑,因為這等會令鏡頭有所損
傷,用時不要將清潔劑滴在鏡面上,若流進鏡頭內或鏡片的邊緣,亦會弄壞鏡頭。 因此
,最好的方法是盡量避免弄污兩端的鏡面,若沾了塵應用氣泵輕力吹走,若是沾了手指
?;蛴蜐n可用高密度布料或已打磨的皮革抹拭。若是內部生了霉菌或有水氣凝結(如出入
冷氣場所)時,最好交回原廠保養中心代為處理。
  誤解九:50mm焦距等于人眼   
    人們常說50mm焦距是標準鏡,又稱與人眼的視覺效果相近,常說用50mm拍的影像就
最真最寫實。但若細心從觀景器望出去,與肉眼相比,可能所見到的影像大小又不是如
此,會發現50mm鏡頭下的影像會比大腦所接收的更廣闊。若論視角(Angle of View),5
0mm鏡頭只有46o,然而人眼可有接近120o,但為何人眼看到的又總不夠50mm鏡頭廣闊呢
?問題其實是出現在影像的平面大小上和鏡片與人眼內的晶體之分別。 人眼所感光的地
方是在視網膜(Retina)上,而感光細胞所聚集的地方也只限于一點,即黃點(yellow sp
ot),感應色彩的錐形細胞(cone cells)比黑白視覺的棒形細胞(Rod cells)少和更集中
。于是乎,您會發現看東西(如看書)的時候,只能習中看見中央部分,而其它圓周外的
字未必能夠看清,但菲林就不同,只要鏡頭視角涵蓋,而主體又是平面的話,整個平面
都會清晰,因為菲林面(24X35mm)都有相等的感光藥物。 另一方面,用50mm拍攝出來的
影像,比例上與實物無分別的,只要將影像放大至與實物原大小一樣放在眼前,與你在
實物前看其實是一樣,但這并非只有50mm鏡頭可以做到,80mm、100mm、180mm……都可
做到。 究竟50mm真在哪里?或許從觀景器里看比較接近人眼所見到的,但這要視乎主體
的距離,要記著:人眼看到是1:1的Life size,然而從觀景器看的是有縮細的效果。還
有,50mm鏡頭的焦點或清晰平面分布是與人眼有別,因此,說50mm與人眼接近似乎可能
有點兒那個,但說50mm鏡頭沒有嚴重變形和取景范圍適中是「真」的表現也還是可以的
。
  誤解十:鏡頭焦距會影響透視
  有些拍友常常說某某20mm鏡頭很有透視感,又話某某300mm鏡頭很有壓迫感,說這些
全都因為不同焦距有不同的透視感。 事實上,透視與焦距是沒有關系的,而透視是指光
線的收縮效果,如用廣角鏡從地下拍攝整座大廈時,建筑物兩邊的線會向上收縮,而并
不是平行的。 一般來說,共有三個主要影響透視的因素:
  不變的距離 假若保持在同一位置、同一角度,與主體保持不變角度,但以不同焦距
拍攝同一主體時,拍出來的照片將有不同的視場大小(Field of View),而主體也會有不
同的放大率,用長些焦距的會有大一些的放大倍數;然而,透視是一點也不變的,不信
可將多張用不同焦距拍攝的照片放大或縮小至同一放大倍數來看,主體與背景之比例是
非常相近的,即是說透視也相近。 改變相機與主體之距離 透視與鏡頭焦距無關,但同
一支鏡頭與同一個焦距,若以不同的主體與相機距離拍攝,便會有不同的透視效果。 或
是,有多支不同焦距拍攝同一主體時,為了拍到接近相同大小的主體時,便更改拍攝的
距離,結果20mm的會攝到更多的背景,而100mm會有接近人眼視覺的效果,而200mm又可
能拍到背景與主體「壓縮」或接近了的照片。 相機與主體之角度 另一個影響透視的因
素便是取景時的相機角度,若以廣角鏡拍攝時,從低角度拍攝站立著的人像時,看起來
便會是上身短、下身長,而從高角度拍攝時,則會有相反的效果。若以水平向著主體拍
攝,這種透視的變形便不會出現。 以后大家或不會再對以上各項攝影問題而存有誤解了
,但攝影始終是非常變化多端的玩意,當中還有很多事項是值得討論的,日后有機會的
話,或會再與讀者分享。
 
 
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戶外拍攝有十忌                      作者: 凌鯤       

一、忌陽光直射

  亮麗的陽光提供良好的照明條件,使景 色有生氣,色彩飽和,并為使用高速快門和 小光圈提供了條件。但是強烈的陽光也會帶 來問題,最為突出的是它那耀眼的光線會使 被攝人物睜不開眼,同時,高角度的直射陽 光還會在人物臉上造成濃重的陰影,顯出皮 膚皺紋,損害人物的形象美。所以在戶外拍照,應多讓陽光從側面照射被攝者,忌臉部 直接面向太陽。

二、忌人物與有色環境過近

  在明亮的光線照射下,物體的反光會增強,在這種情況下,人物應盡量遠離那些色 彩明艷的景物(如新油漆好的建筑物的外墻、大型遮陽棚等),否則那些景物的色彩會映射到人物身上,造成偏色。

三、忌頂光時人物站在水泥地上拍照

  因為水泥地表面較平整,且顏色淺淡, 會形成較強的反射)亡,這種自下而上的"腳 光",往往造成一種恐怖效果,應盡量避免。

四、忌立于樹旁拍照

  光與影相輔相成,光愈強,影愈深。當 人物站在樹旁拍照時,陽光時常會把樹葉投 影到人物身上、臉上,造成斑駁的陰影,有 損于畫面的美感。

五、忌忽視濾光鏡

  在戶外無云的藍天下,所有避光處都帶 上藍色色罩;而在暮日的輝光映照下,所有 的景色都染上了一層橙紅色。在如此環境中, 若想讓攝得的景色保持原有的色彩,就必須 在鏡頭前裝上相應的濾光鏡,在前一種情況 下可選用淡紅或琥珀色的濾光鏡,在后一種 情況下可選用淡藍色濾光鏡。

六、忌采用高速片

  在晴空烈日下,光線強度已很高,若再 采用高速片,往往會迫使光圈收到極小,或 無法使用較慢的快門速度。這些情況都會給 攝影創作帶來某些方面的限制。

七、忌胡亂補光

  在明亮的日光照射下,景物會有很強的 反差。為避免反差過大,運用輔助光進行輔 助照明是有效的,但要掌握好分寸,既要避 免輔助光過亮,也要避免露出輔助光的痕跡 (如出現與主光相反的投影)。

八、忌完全依賴自動曝光檔

  不少攝影愛好者在戶外拍照喜歡使用自 動曝光檔,殊不知這種自動曝光檔只能處理 一些普通的情況,而遇到陰陽面各半或逆;光 等情況便會變"傻",所以還得見機行事,根 據具體情況進行適當的曝光調整。

九、忌逆光直沖鏡頭
  在光線很強的情況下拍攝逆光照,要防 止光線直沖鏡頭,否則很容易產生光暈現象。

十、忌穿反光過強的服裝

  在強光下拍照,被攝者如穿反光強的服 裝(如白襯衫、發光尼龍做的服裝等),會變 得雪白一片或產生大塊輝斑,使衣服質感難 以表現。
 
 
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偏振鏡認知攻略   
   偏振鏡,似乎我們用上了數碼相機以后就很少提到這個名詞了。由于價格問題——這個很實際的因素——數碼單反尚不能很好地普及,那么,原先用在傳統單反鏡頭上的偏振鏡是否就難有用武之地了呢?恐怕也不盡然。佳能平價數碼單反的問世至少讓我們對數碼單反多了一些希望。而對于那些仿單反的DC甚至是便攜式的DC,我們一樣有辦法利用傳統的偏振鏡來滿足我們對于畫面的挑剔要求。
  帶著傳統戰場上的硝煙走進數碼領域的“老鳥”們自然是對包括偏振鏡在內的各種濾色鏡了如指掌了。但是對于初入色門就上數碼的玩家們來說,就有必要上一堂偏振鏡的知識普及課了。

  首先還不得不談一點物理知識,先要弄明白的是:什么是“偏振光”。光是一種電磁波,是由與傳播方向垂直的電場和磁場交替轉換的振動形成的。它與無線電波沒有本質的區別,只是波長更短一些而已。這種振動方向與傳播方向垂直的波我們稱之為橫波。聲波是靠空氣或別的媒質前后壓縮振動傳播的,它的振動方向與傳播相同,這類波我們稱之為縱波。橫波有一個特性,就是它的振動是有極性的。在與傳播方向垂直的平面上,它可以向任一方向振動。我們一般把光波電場振動方向作為光波振動方向。如果一束光線都在同一方向上振動,我們就稱它們是偏振光,或嚴格一點,稱為完全偏振光。
純理論的東西,如果不是科班出身的話,一定暈了吧!那就說得直觀一些:玻璃表面的反射光使我們拍攝不到玻璃櫥窗里面的東西,水面的反射光使我們拍攝不到水中的魚,樹葉表面的反射光使樹葉變成白色,這些現象的元兇都是偏振光。晴空的藍天在與太陽方向成90度的垂直方向散射的也是偏振光,它使藍天變的不那么幽深。如果消除了這些偏振光,許多照片會顯得顏色更加飽和,畫面更加清晰。
  隨著現在數碼相機市場的豐富,仿單反的DC出來了、不可換鏡頭的DC出來了、萬元以下的平價數碼單反也出來了。這樣,一些具有相當實用價值的傳統濾色鏡也到了“蠢蠢欲動”的時候了。但是,DC有它自己自動化程度較高的特點,也不是所有的偏振鏡都能適用的。在偏振鏡中,分為線型偏振鏡(PL鏡)和圓型偏振鏡(CPL鏡)兩種。
 
 
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線型偏振鏡是最普通的偏振鏡,但是這種最常見的偏振鏡是不能配合自動化程度較高的數碼相機的。因為現在的數碼相機都具有自動對焦和自動曝光的功能,這些自動功能所需的部分光線信息會被線型偏振鏡濾除,從而導致AE有可能不準,AF有可能失效。
  這種情況下就要使用圓偏振鏡(CPL鏡)了。圓偏振鏡可以看作由兩部分組成:前一部分是一個普通的線偏振鏡,能夠濾除某個振動方向的偏振光。后一部分可以使透過它的偏振光振動方向在一個圓周上旋轉。這種特殊的偏振光稱為圓型偏振光,圓型偏振鏡也因此而得名。圓型偏振光對于絕大多數光學元件來說,與非偏振光沒有什么區別,所以圓型偏振鏡可以在任何相機上使用。
從上面的這組對比圖來看,沒有使用偏振鏡的時候,櫥窗玻璃上有強烈的反光,而使用了偏振鏡后,反光基本上就消除了。

  當然,偏振鏡不是萬能的。如果陽光角度不合適,非金屬表面反射的眩光可能偏振光成分很小。例如,拍攝樹葉往往不能消除所有反光。如果使用超廣角鏡頭,很難在畫面中取得一致的效果。尤其拍攝天空時,與太陽夾角成90度的方向壓的很暗,而其它方向幾乎沒有效果,造成天空顏色和亮度不均勻。拍攝水面時,部分水面沒有反光,而另一部分反光很強。偏振鏡由于有轉動部分,鏡片的邊框厚度較大,用在超廣角鏡頭上有可能暗角。建議使用超薄的偏振鏡(當然價格會“辣手”一點)。

  另外要注意的是:使用偏振鏡時,由于需要轉動濾鏡,不宜使用遮光罩;應當盡量把相機放在陰影中拍攝。

  還有一個問題:如果手里的數碼相機的鏡頭不能加附加鏡怎么辦?其實,這個問題也很好解決。只要手頭有一個直徑大于相機鏡頭口徑的偏振鏡,使用時調好角度,放到鏡頭前就可以啦。雖然使用起來有點麻煩,但是,這個方法很有效,而且省了改裝的麻煩和費用呢!
 
 
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和大家談談攝影構圖
    人們常說,畫家所面對的挑戰,是怎樣在一張空白的畫紙上,加上一些東西來使它變得有藝術性;而攝影家所面臨的挑戰則是迥然不同的,他們要從雜亂的環境中,超過運用構圖技巧,把其中無關的景物除去,使畫面看來具有藝術性。換句話說,作畫是從一個空白的畫面開始,然后決定把一些東西加進畫面內,來表達自己的意念。攝影師(除非是靜態的擺設)所關注的,就是怎樣安排現有景物內的元素,借以表達自己的意念。

   攝影家要想拍出好作品,就必須追求構圖上的和諧。長期以來,人總結出了一些取得好的攝影構圖所應遵循的基本法則,這些法則在一些攝影書刊和文章中,已經介紹得很多了。國外一些攝影名家卻經常告誡人們,對攝影構圖法則不要過分拘泥,因為它會束縛人們的創造性,重要的是理解其“精神”和“作用”。事實上,他們的許多名作也并非都是采用這些法則來創作的。然而,對于初學者來說,這些構圖法則卻有引導作用,容易入門;對于大多數攝影者來說,平時記住一些構圖要 領,在拍攝以前就能生動地想象出照片拍出后會是什么樣子,對于成功地創作一些優秀的攝影作品也是大有幫助的。

   美國攝影家L.小雅各希斯認為:“構圖是從攝影者的心靈的眼睛做起的。構圖的過程也被稱為'預見’,就是在未拍攝某一物體之前或正在拍攝的時候,就能在腦海中形成一個圖像或印象。通過經常析自己和別人的作品的構圖,就會使自己的這種預見本領更加嫻熟,變成一種本能。”奧地利攝影家伊涅斯特·哈斯對此也有同感,對于構圖,他己達到手中無劍,劍在心中的境界,他認為、“構圖在于平衡,每個人對平衡的處理都各有不同。”正如同武功達到最高境界時,已沒有招式名稱,只憑自己的功力去化解。關于相機在構圖中的位置,他認為:“你越能忘記你的器材,·越能集中你的題材和構圖,那么相機只是你眼睛的延續,再沒有其他意義。”

   小雅各布斯還認為:“構圖的最基本的因素是線條、形式、質感以及這些因素之間的空間。當然色彩同樣也是不可忽略的因素。會聚的線條一般能說明透視關系,但并不是所有的照片都非要表現出透視的深度不可。許多杰出的作品都是平面圖案。在取景器中的某個景物或人物的肖像,都是根據攝影者個人的感受進行安排的。因此,怎樣構圖,和怎樣選擇主體、光線、色彩一樣,也能成為一個攝影家獨特的個人風格的基礎。

    “在大多數情況下,每幅照片中都有一個或一組形狀或形式起主導作用,而照片中的色彩、體積、位置和其他形狀等,都是為主導因素服務的。

    “構圖中的對比,是指大與小、明與暗、近與遠、主動與被動、平滑與粗糙、色彩的濃艷與輕淡等等的對比。要多利用這些相互對立的因素,通過它門使主體影響整個構圖。例如,恰當地利用對比法則,照片就會具有強大的魅力。”

    有些人或許對構圖有天賦。不過,根據美國攝影家維利·奎克的看法,幾乎所有的人都能夠通過應用一些基本法則,達到具有相當水平的攝影構圖能力。為此,他提出了一些簡單的方法。他認為,依據這些方法,任何人都能在短時間內學會拍出較好的照片。

    維利·奎克指出,攝影者最易犯的錯誤是拍攝的祝點取得過高,與被攝體離得太遠,致使畫面出現各種各樣與拍攝目的毫無關系的東西。他說:“請記住,畫家是 把東西畫進畫面,而攝影者則是從畫面去掉一些東西。” 他說:“一張照片應該只有一個趣味中心,畫面上不能有無用的東西。如果你對某個物體是否有助于畫面抱有懷疑,你就應盡可能地把它放棄掉。”

    攝影構圖法則中,人們最熟悉的可能就是所謂的“三分法”了,即將畫面縱橫均分為三份,從而使畫面被分割成為九個相等的方塊,四條分割線上出現四個交叉點。通常攝影者就在這四點上選擇一處作為趣味中心的最佳位置(如圖3—1)。畫面右端那些交叉點,一般又被認為是最強烈的。但奎克認為:“這并不是說,趣味中心非得準確地置于交叉點上不可。正因為如此,實際上趣味中心常出現在交叉點附近。”

    奎克指出:“每一幅照片都應保持一定的平衡。這就是說,對主要被攝體的安排,不能使畫、面出現向分量大的一邊傾倒。但平衡并不意味著將兩個同樣大小和同等形狀的東西置于對稱的位置。這里的關系,只要你看一下在玩蹺蹺板的孩子就知道了。蹺蹺板兩邊的孩子,小些的一個必定坐在離中央遠些的地方,而大的孩子肯定坐在靠近中央的地方。”

    奎克認為:“把突出的線條安排,指向趣味中心,是拍攝一幅悅目照片的另一個要素。這些線條被稱為主導線,有效地利用主導線,可以創造出驚人的照片。把主導線安排成對角線,會產生有力的動感。

   “線條常常在照片中提供一個邊框。這可以通過選擇視點來進行,例如在樹下通過樹枝框住畫面上的被攝主體。此時通常使用小光圈,以使整幅照片清晰。這樣做,也有可能使邊框過于突出,但安排適當,會得到好照片。

    “在一幅照片中,地平線的位置會給人以強烈的印象。拍攝時,地平線要盡量避免處在照片的等比線上,因為這樣做會把照片均分為兩半,給人以呆板的感覺。

    地平線處在畫面下方,會給人以寧靜的感覺,而處于上方,給人的感覺則是活潑、有力的。 “此外,橫幅畫面可以產生安寧、平靜的感覺,而豎直畫面則會產生動態效果。”

   奎克認為,以上方法如果運用得好,你的照片將會出現明顯的改觀,而且隨著時間的推移,你很快就會學會鑒賞構圖,從而為你增添攝影的樂趣。
 
 
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攝影家瓦爾特·德·格魯伊特對攝影構圖作了一種全新的闡述。’他認為:“每一種構圖都是以排列次序為基礎的,就像我們從哥士達心理學和信息學原理中所了解到的那樣,構圖可以用多種方法獲得。它產生于相似事物的組合以及對相反事物的強調。排列次序并不是千篇一律的,形態和色彩的疏密和對比也會產生排列次序。排列次序是以一種美學上的均衡為基礎的,而均衡則從復雜、矛盾和動態之中造就和諧。”

    他說:“任何人,只要懂得把照片分成單個的構圖成分,借以得出它在美學上的一致性和合理性來審查照片的具體效果,就都會成功地創作出好的作品。"

  "要獲得令人滿意的照片構圖,須經常分析照片。” 他提出的分析照片構圖的最重要標準是:

    1.人物和環境的關系以及反差情況。

    2.照片所傳遞的信息的價值以及類似事物。

    3.照明和縱深。

    4.突出的線條和照片的畫幅。

    對于如何獲得較好的攝影構圖,格魯伊特提出了以下重要建議:

    1.畫面所提供的信息不能造成視覺上的混亂。

    2.人物和環境的關系要有助于傳達照片的意圖。

    3.應當避免由于人物和環境之間的含糊關系而可能產生的錯覺。

    4.明與暗的關系或者彩色對比的關系是非常重要的。

    5.除了人物和環境在形式上的關系之外,對人物和環境的心理上的權衡也是 十分重要的,因為每個視覺印象都立即作出喜歡或不喜歡的判斷。無偏好的估價意味著根本沒有反應。

    6.表現與我們熟悉的物體相類似的東西,使人容易辨認,從而能比較迅速地予以理解。因此,重復內容是必要的。

    7.照片的復雜程度一定不能太低(感官刺激不夠),也不能太高(感官刺激過分)

    8.每個人對每幅照片的美學評價總是不一樣的,而且這種評價是受感情支配的。它在很大程度上取決于觀眾的認識,他的經歷和他的敏感性。

    9.形式主義和時髦風尚是不能持久的。這種缺乏獨創性的缺點,是不可能用技術補償的。

    10.照明、透視、重疊和影紋的層次變化,有助于在二維空間的平面上體現出明顯的縱深感。

    11.不尋常的透視效果,有助于使照片生動活潑。

    12.有意識地使用突出的方向線和選擇適合主體的畫幅,會加強照片的效果。
 
 
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對幾個攝影問題的看法

技術與藝術
    攝影領域的基本真理之一是:每一張好的照片都是技術與藝術成功結合的結果。藝術,是指所選擇的題材是用極動人的形式來表現的;是指畫面的構圖是良好的;是指光線的運用與被攝體的性質,照片的目的以及拍攝者的意圖是協調的;是指照片是有意義、有知識性而且是有感染力的??上?,很多攝影者都不太注意這些問題,或者不太懂得這些問題。他們只知道一張技術上不完美的照片——如影象模糊、顏色不正、粒子太粗、調子太平、反差太大——就是一張有缺陷的照片。但是他們就看不出是缺乏“藝術”性或者需要“藝術”性。

極大的錯覺
    大多數人認為,攝影是一種復制過程。這是一個謬論。實物是立體的,而照片是平面的。物體是有顏色的,而在黑白照片中只有灰色影象。從這些局限性里,可以得出結論;既然一張照片受其自身性質的限制,決不可能是完全“自然主義”的,那么攝影者就應當最充分地利用一切手段和技術創作出激動人心的新穎的影象。就是說,以新的有趣的形式來表現熟悉的題材,或者把那些不借助相機的眼睛就無法看見的東西展現在我們的面前,從而擴大我們的視野。初學攝影的人一開始就得把自己從那些過時的清規戒律中擺脫出來。例如:認為建筑照片中的“會聚的垂直線”是一種缺點(實際上,這是垂直線條的非常正常的透視現象);認為所有的廣角鏡頭都會產生“變形”(實際上這種變形是同物體靠近的現象);
    認為180度的“魚眼透視”是“不自然”的(實際上,這是鳥、魚和昆蟲通常的觀察物體的方式);認為彩色照片只有在拍攝照片時光線的光譜成分與彩色膠片色溫相平衡的情況下才是“自然的”(如果真是這樣,那么所有在金色的黃昏和紅色的日出時刻拍攝的照片都將是“不自然”的了);認為耀眼的光線照射到鏡頭上所產生的眩光和光暈都是必須避免的缺點(實際上,這種眩光和光暈象征著直射光線的明亮與光芒四射);認為遠攝鏡頭會“壓縮空間”生產生一種“夸張”的透視形式(實際上,如果我們從紙板上一個矩形小孔觀實物體時,也可以看到同樣的透視現象);
    認為照片的顆粒粗是一個缺點(如果處理得當,粗顆??梢猿蔀橐环N創造性的表現手法,象征某種物體的質感,不用粗顆粒就表現不出來,或表現得不那么好);認為影象模糊必然是操作上粗心大意的結果(影象模糊也許是動作的最好標志)等等。

創造性地進行選擇
    大多數業余攝影者,碰到一個吸引人的題材,就拿起相機來拍,而且往往只拍一張。相反,一個富于創造性的攝影師,除非遇到的是他畢生中絕無僅有的瞬息即逝的時機,他將從不同的距離和不同的角度對被攝體進行仔細的研究。他將考慮在不同光線或不同氣氛下,這個被攝體將是什么樣子。他將考慮自己的表現手段,如用什么鏡頭、膠片和濾鏡,在思想上形成完整的影象(這是一種名為“預先想象”的過程,是每一個富于創造性的攝影家所力行的)。在一切準備就緒之后,他也不滿足于只拍一張,而是對當時所表現的一切可能性加以探索,因為他懂得任何成功的攝影者都有這么兩條原則:第一,你應當有選擇的余地,不能放棄這一可貴的特權;第二,如果有一個值得拍攝的題材,就應當把它拍好,絕不是只拍一張就能成功。
    用黑白膠片還是用彩色膠片?
    在攝影中,最流行的錯誤觀念之一是認為彩色片要比黑白片來得優越,因為用彩色表現更合乎“自然”。事實上,任何一種表現方式都不能說比另一種“優越”,只能說不同而已。不過,在某種特殊情況下,某一種方法確能產生較好的效果,從而被認為較為可取罷了。
    一般講,如果顏色是被攝體最突出的特點(如鮮艷的花朵、鳥、蟲、水果;婦女的時裝;食品陳列,在不尋常的光線下拍攝的戶外景物等等),用彩色來表現,就很可能是最佳的方法。另一方面,如果用創造性的、更抽象的表現方法來表現主題,一般講,黑白照片的效果將是最好的,因為黑白照片給攝影者提供了更大的控制的可能性。
 
 
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從攝影的角度進行觀察
    常言道:“相機不撒謊”。這句話,又對又不對。說它對,是因為相機能把它的視野里的一切物體客觀地表現在照片上;說它不對,是因為受大腦主宰的人的眼睛,不是自然而然地一覽無遺,而是以很主觀的方法觀察世界的,它只注意到觀察者感興趣的事物。但事實上,大多數照片都把所有看得見的零七八碎的東西包括過去了。人們還習慣于按照自己的想象去“看”事物,特別是看物體的顏色時更是如此,因而在透明片里,最真實的顏色看上去就是“不自然的”了。比如,在戶外的空曠陰影中拍攝人像,由于那里從藍色天空反射來的光線是唯一的照明光源,所以照片上就會出現偏藍現象。在樹下拍攝的人像,由于綠色樹葉的作用而顯得偏綠。
    所以說,攝影者要用攝影的眼光,即所謂“像相機那樣”去觀察實際。

光線和照明
    光線是攝影者的手段,可能也是決定照片效果的最重要的一個因素。光線有三個主要作用:一是決定膠片的曝光量;二是通過對陰影部分的處理而產生深度感和空間感;三是確立照片的氣氛——是喜氣洋洋還是郁郁不樂,是熱烈還是冷清,是色彩豐富還是迷霧朦朦。
    遺憾的是許多攝影者只注意第一個作用,而忽視了其它兩個。因此,一個攝影家應當從一開始就養成一種習慣,不僅從光的量上來衡量光線(從曝光角度說:它有多亮?),而且還要從光的性質上來衡量它(從創作角度說:什么樣的光線?)。
    因為如果光線的運用對現場氣氛不合適,就是有最完善的技術,也不能把照片片拍好,而且你的全部努力將要前功盡棄。

結論
    攝影這項工作既可簡單,又可復雜。最容易不過的是看見了一個簡單的題材就拍。另一方面,要拍攝出好的照片,則要求耐心和技巧,敏感和專心,堅韌不拔的精神和平凡的艱苦勞動。照片質量是與你所花費的代價成正比的。許多學習攝影的人以為,設備越好,拍出的照片就會越好,那是多么荒謬!我必須再一次強調的是:只有攝影者的想象力,他從攝影的角度觀察事物的能力,他從攝影的角度觀察事物的能力,他的藝術感和他以被攝體了解的程度,才能指揮他的手來使用相機,從而最終決定照片的質量。
 
 
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2005-7-12 20:32 發短消息 (0)
轉帖] 攝影常見相關法律問題的解釋   


涉及肖像權的

    法律條文:肖像權,是指自然人對自己的肖像享有再現、使用并排斥他人侵害的權利。

   《民法通則》第100條規定“未經本人同意,不得以營利為目的使用公民的肖像”。第100條規定中以看出構成侵害肖像權的要件(必要條件)包括兩點 1、未經本人同意;2、以營利為目的。(個人解釋:構成侵害被拍攝者肖像權必須同時具備上述兩點必要條件,欠缺其中一點,便不可認定侵害被拍攝者的肖像權?。ㄐ枳⒁饧词棺髌窙]侵害被拍攝者的肖像權,但仍有可能侵害了被拍攝者的隱私權,請看下面隱私權篇。)

屬于合理使用肖像權的行為: (引自中國人民大學出版社《民法》一書)

    1、在新聞報道中使用相關人物的肖像,使觀眾、讀者了解、認識事實真相等符合社會公眾利益的行為不構成侵害被暴光者的肖像權(如報道政治活動時使用了某政治家的肖像)!即使新聞報道的內容失實或者不當,有可能構成侵害被暴光者名譽權或隱私權,也不會構成侵害肖像權(如報道某明星一夜情的)!

    2、國家機關為執行公務或為國家利益舉辦特定活動使用公民的肖像。如公安機關在通緝令中使用被通緝者的肖像;國家在建國50周年成就展中使用他人的肖像!

    3、為記載或宣傳特定公眾活動使用參與者的肖像。因為公民參與此類活動中,就意味著在一定程度上處分了自己的肖像權,對其肖像在此活動中加以使用,不構成侵權!

    4、基于科研和教育目的在一定程度和一定范圍內使用他人肖像的。如為醫學試驗、法醫學教學在課堂上向學員展示病人或者接受法醫鑒定的受害人的肖像!

    5、為肖像權人自身的利益使用其肖像。如為肖像權人具備某種特殊技能所做的廣告中使用其肖像;在尋人啟事中使用失蹤人的肖像等!

涉及隱私權的

    法律條文:隱私權,是指自然人享有的私人生活安寧與私人生活信息依法受到保護,不受他人侵擾、知悉、使用、披露和公開的權利。
    我國有關立法對隱私權的獨立地位未予確認,司法實踐中通常將侵害隱私的行為作為侵害名譽權處理!現今我國仍未有界定是否侵害隱私權的具體標準,但凡只要是未經公開的,自然人不愿意公開、披露的信息都屬于隱私權的內容?。▊€人解釋:構成侵害隱私權的要件包括 1、未經權利人許可;2、有具體的公開、披露權利人的隱私的事實存在。通俗點講就是偷拍暫不構成違法,但未經同意公布照片給第三人、哪怕只有一人知道便是違法!大家平時還是管好自己的鏡頭,收收癮,在街頭拍拍就算了,別把鏡頭對著泳池、浴室等地方,畢竟這個還是比較難界定的,一旦鬧到庭審,法官還是要照顧受害人地?。?br />
    這里特別說一點,法律對公眾人物的隱私權應當設有限制。所謂公眾人物,指廣為人知的社會成員,包括政府公務人員和各行業的知名人士。對于知名人士隱私權的限制理由在于新聞價值和公眾的合理興趣,(如對蓋茨在其微軟總部一天的出入進行暴光不侵害其隱私權)但對于公眾人物擁有的與其所代表的行業無關的行為的隱私,仍受到法律保護!
 
 
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2005-7-12 20:33 發短消息 (0)
涉及著作權的

    創作者完成所創作作品的同時,便擁有了該作品的著作權,其行使著作權的內容包括發表權、署名權、修改權、保護作品完整權。

    法律條文:中華人民共和國著作權法第11條 著作權屬于作者,本法另有規定的除外。這里值得一提的是著作權法的第17條:受委托創作的作品,著作權的歸屬由委托人和受托人通過合同約定。合同未作明確約定或者沒有訂立合同的,著作權屬于受托人。 (個人認為此條適用于影樓人像攝影,影樓為受托人,受托創作作品,未事先明確約定著作權歸屬,著作權應歸影樓所有!但有一點,審講求證據,你把底片都給了別人,何來證據表明該作品是你創作的??。?br />
侵犯著作權的行為:

  1、未經著作權人許可發表其作品。

  2、未經合作者許可,將與他人合作的作品當作自己單獨創作的作品發表。

  3、沒有參加創作,為謀取個人名利,在他人作品上署名。

  4、歪曲、篡改他人作品。

  5、除了法律另有規定外,未經著作權人許可,以表演、播放、展覽、發行、攝制電影、電視、錄像或者改編、翻譯、注釋、編輯等方式使用作品。

  6、使用他人作品,未按規定支付報酬。

  7、剽竊、抄襲他人作品。

  8、未經著作人許可,以營利為目的,復制發行其作品。

  9、制作、出售假冒他人署名的美術作品。

(關于著作權的轉讓,作品發表權、署名權、修改權、保護作品完整權歸作者所有,不為任何形式為轉移?。┰撜摂嗫蓞⒖家韵聝蓷l:著作權法第二十五條 轉讓本法第十條第一款第(五)項至第(十七)項規定的權利,應當訂立書面合同。權利轉讓合同包括下列主要內容:

  (一)作品的名稱;

  (二)轉讓的權利種類、地域范圍;

  (三)轉讓價金;

  (四)交付轉讓價金的日期和方式;

  (五)違約責任;

  (六)雙方認為需要約定的其他內容。

   著作權法第十條 著作權包括下列人身權和財產權:

  (一)發表權,即決定作品是否公之于眾的權利;

  (二)署名權,即表明作者身份,在作品上署名的權利;

  (三)修改權,即修改或者授權他人修改作品的權利;

  (四)保護作品完整權,即保護作品不受歪曲、篡改的權利;

  (五)復制權,即以印刷、復印、拓印、錄音、錄像、翻錄、翻拍等方式將作品制作一份或者多份的權利;

  (六)發行權,即以出售或者贈與方式向公眾提供作品的原件或者復制件的權利;

  (七)出租權,即有償許可他人臨時使用電影作品和以類似攝制電影的方法創作的作品、計算機軟件的權利,計算機軟件不是出租的主要標的的除外;

  (八)展覽權,即公開陳列美術作品、攝影作品的原件或者復制件的權利;

  (九)表演權,即公開表演作品,以及用各種手段公開播送作品的表演的權利;

  (十)放映權,即通過放映機、幻燈機等技術設備公開再現美術、攝影、電影和以類似攝制電影的方法創作的作品等的權利;

  (十一)廣播權,即以無線方式公開廣播或者傳播作品,以有線傳播或者轉播的方式向公眾傳播廣播的作品,以及通過擴音器或者其他傳送符號、聲音、圖像的類似工具向公眾傳播廣播的作品的權利;

  (十二)信息網絡傳播權,即以有線或者無線方式向公眾提供作品,使公眾可以在其個人選定的時間和地點獲得作品的權利;

  (十三)攝制權,即以攝制電影或者以類似攝制電影的方法將作品固定在載體上的權利;

  (十四)改編權,即改變作品,創作出具有獨創性的新作品的權利;

  (十五)翻譯權,即將作品從一種語言文字轉換成另一種語言文字的權利;

  (十六)匯編權,即將作品或者作品的片段通過選擇或者編排,匯集成新作品的權利;

  (十七)應當由著作權人享有的其他權利。

著作權與肖像權的交疊

   著作權歸拍攝者所有,但肖像權歸被拍攝者所有!二權相比較,優先保護肖像權?。ㄈ缒惆l行了自己的個人畫冊,使用了你拍的模特的圖片,而你未征得她的同意,恭喜你,你侵權了!哪怕你擁有此作品的著作權?。?nbsp;     ---------色 影 無 忌/無忌馬甲
 
 
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[轉帖]  中華攝影學會培訓班教材

第一課   攝影的入門與學習
  
中部地區,最近接連的有兩個初級攝影研習班開課,整個學程內容的規劃幾乎與先前一樣,可是參加研習的人數依然相當踴躍,重修的學員也不少,使主辦單位感到很訝異。由于筆者均擔任第一堂的入門課程,事先均被知會這種現象,并且交換意見:該如何使初學與重修的同好,均能同時獲得有效的學習成果,由此似乎也可感受攝影學會的辦學用心。

  其實這種現象普遍存在于學習〝藝術創作〞的領域,不足為怪。一般而言,愿意花錢與時間前來學習的人,可以確定他們對于理論的求知欲望比較高,而攝影是一種多元化的輔助工具,從學習需求加以分析,大致上可以劃分為下列五種類型:
1、為制作教材而攝影
2、為紀錄而攝影
3、為休閑而攝影
4、為謀生而攝影
5、為藝術創作而攝影

  因此,在踏進攝影界的時候,必須先有一份需求認知,如果是前面四項的話,頂多數月至一年的時間,相信任何人均能達到學習的目標,因為這僅涉及技術層面的問題。這種現象常見于一般攝影初學者,于歷經第一階段學習之后,均有明顯的入門技術成效,可是當詳加分析其內容,不難發現絕大部份仍停留于模仿或拷貝的技術層面,還談不上〝創作〞。

何謂創作
   任何一種藝術的可貴之處在于〝創新〞。所謂的創新是指:一位藝術工作者必須「熟練」本門所有的技巧、表現以及相關的藝術表達方式。之后融入作者個人的『內心思想、感覺』,然后創造出『前所未有、前所未見』的嶄新感覺、視覺或聽覺 ( 音樂 ) 效果。以攝影藝術而言,不論任何題材、任何方式 (寫實或寫意),它的創作還需具備合乎攝影的光影,視覺與表現等邏輯條件。

    譬如:以個人近二十年所涉獵的各項題材之一「鳥類」生態而言,目前的相機已經達到全自動的功能;對焦、曝光、全自動,配合超遠攝鏡頭以及高速連拍馬達,只要在短時間之內稍微了解相機的操作之后,幾乎任何人均可能成為生態攝影高手,可是這僅僅切入紀錄的表象層面而已;此外,『走在鐵軌上面散步的情侶』、『鹿港天后宮回廊下休憩的老人』、『花壇老樹的晚歸』…這些常見的畫面也僅能歸類于習作或模仿。如果談創作的話,那么前面所述各項條件不能缺少。

如何創作
    首先需要百分之百的把技巧 ( 操作與表現等學理 ) 完全融會貫通,然后將所有技巧元素溶入于個人獨特的思維,如此才能達到收放自如的地步。熟能生巧、觸類旁通、舉一反三…..這些均為〝創作〞的寫照,通常剛接受初級入門訓練時,那怕是上課時全神貫注并且勤作筆記,在吸收上絕對無法達到百分之百,這是因為攝影除了課堂的學習之外還有實際的臨場操作,當理論與技術無法和『創意』產生平衡點時,隨即面臨創作的瓶頸,才有所謂的「看山不是山」現象。此時再度回流學習正好可以有效的抒解困境。

何謂重修
    與學識的求知相似,一般人對于非個人興趣的科目,或許要求比較低,可是面對喜愛的科目,相對的要求就比較高。如果要當做研究或創作的話,就應該以百分為追求的目標,因此重修是必然的。

    根據個人多年來的經驗,曾經在攝影學會待過一段時間,或是上過初級班的學員,在重修整個學程當中,如果不得要領,那么進步有限,甚至于可以用毫無進步來形容;反觀從未接觸攝影的學員,不僅有明顯的進步,甚至于有些超越這些老手,當然他們的學習方式必須正確:一、勤作筆記,二、勇于發問,三、認真演練??墒钱斔麄冊俣戎匦迺r,往往也會患相同的缺失,不是忘了
先前這些特質,就是重修的要領有誤,最后還是阻礙了進步。

如何重修
    如同前面所述,如果要把攝影當成創作來看待的話,那么在技巧方面絕對要百分之百的吸收,當然這是不可能的目標,因此才有所謂的『藝術創作是一條永無止境的不歸路』,譬如:前輩攝影大師郎靜山先生,到百歲時依然在從事攝影創作。名畫家畢加索、張大千,在八、九十歲時仍然創作許多不朽的名作??墒窃撊绾螌W習呢?那么當您在做第二、第三次???重修時,唯有把自己先前所暸解的暫時擺在一邊,把自己當成一位初學者,一切從〝零〞開始;不能夠存在著這些我懂、那些我會的心態,否則很可能會錯過一些細節或關鍵性的問題,如此一次又一次的累積。譬如:好友林家祥先生的「攝影表現技巧」,以及個人曾經做過的筆記,每當經過一段時間,總會再度的詳細閱讀一遍,每次均采用重修的方法。均能或多或少的感受到自己的成長與進步。

    此外,攝影的創作工具,長久以來一直隨著科技的腳步研發與改進,創作方式的修正與改變時常發生,隨時要有學習新技巧、新觀念的準備。
 
 
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第二課 相機的分類

  相機是如何形成的呢?是在一百多年前所發明的。其實就是利用一個不透光的黑箱子(機身),再在暗箱前中間處挖一個小小的孔,就可以呈現影像,但清晰度不佳。若在暗箱的小孔上加裝一個可以控制透光量大小與時間快慢的器材,再加上光學鏡頭,就能使影像更為清晰明亮,稱之為「相機」。

  相機種類有如大型蛇式相機與特殊用途的相機如拍立得(現影)相機、立體相機、復像式相機、旋轉相機(現改稱「搖頭」相機)、水底相機、寬景的相機,針孔相機、110相機、120相機、135相機、雙眼相機、單眼反光相機、APS相機、立可拍相機、數字相機…等。相機種類分為大、中、小以及迷你型相機:

  ●大型相機(4"X5"、5"X7"、8"X10") :此大型(底片幅面大)蛇式相機為建筑、工商業攝影及要求高品質的玩家所使用,體積較大,操作較難學,攝影棚和室外也多有人使用。
  ●拍立得:馬上拍馬上可以看,大、中型與135都有。
  ●110中小型相機4X4cm:目前已買不到四公司與膠卷。
  ●120中型相機(645、6"X6"、6"X7"、6"X9"、612、617、619、624):使用于婚紗攝影;612、624特用于團體或長幅風景。
  ●135小型相機(24X36mm):分為單眼、雙眼、傻瓜式、APS 3、立可拍、數字相機等。
 
 
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第三課 活用濾色鏡!

  大部份的黑白菲林,尤其是業余使用的卷裝菲林,都是對藍光較為敏感。所謂敏感,就是對藍色光線感受較快。譬如拍攝的景物共有紅光、綠光、和藍光三種光線,經過測光表測量,用f11光圈,和1/125秒快門,菲林對藍光感受較快,對綠光感受較慢,拍成的照片,就是綠光部份較暗、較深色,而藍光部份則較白,較淺色。所以對藍光敏感是相對的說法。

  業余使用的卷裝菲林都是叫做全色片,對任何色素都感光,但對綠光感受較慢,對藍光感受較快,這是正常的情形。所以拍攝風景之時,樹葉的色調一定較深,而天空的藍色一定很淺。往往看來一片蔚藍的天空,拍成照片是一片淺白,毫無趣味。

  想使藍色天空在照片中有較好的效果,也就是顯現出較深的色調,我們就需要一個黃濾色鏡片。黃濾色鏡可使天空的藍色成為中灰色,恢復眼睛觀看景物時的那種效果。我們的眼睛觀看景物時,覺得天空的藍色并不比樹葉的綠色深去多少。如果拍出來的照片,天空部份色調太淺,那照片的效果就是不自然的。

  如果用深黃的濾色鏡加在相機鏡頭前面拍照,那天空的藍色會變得更深。用橙色濾鏡,甚至紅濾色鏡加在鏡頭前面,天空的藍色在照片中會變成黑色一般。這因黃色玻璃對藍光有阻隔作用,減少了藍光進入鏡頭的份量,也就是等于減弱了藍光對菲林的敏感度。這樣在照片上,這部份就顯得較深色。深黃鏡,橙鏡,以及紅鏡,由于顏色一步步加深,對藍光阻隔的作用也一步步加大。所以到了紅鏡,藍色光線差不多全部被阻隔掉,于是拍成照片就成為黑色了。這完全是一種光學作用。

  有人說,用了黃濾色鏡就可以拍出白云。事實上黃濾色鏡對白云并無影響。如果天空根本沒有白云存在,不管用黃鏡也好,紅鏡也好,永不會拍出白云來的。但如果天空原本有白云,拍照時不加濾色鏡,天空的藍色部份淺白,而白云自然也是白的。用淺白來襯白,那白云一定不會顯著的。如果我們何用黃鏡或橙鏡,將天空的藍色部份變成中灰或深灰色。用較深的灰色來襯托白云,白云自然就會顯現出來了。如果用紅色濾鏡拍攝,用黑色的天空來襯托白云,白云就更為突出,很像暴風雨的前夕一般。

  所以濾色鏡對白云并無影響,它影響的只是天空的顏色。襯色較深,白的就更為顯現。正如我們覺得黑人的牙齒十分潔白,這完全是因為黑人的皮膚深色之故。所以如果天空沒有藍色,或藍得很淺淡,那就算用濾色鏡也起不了阻隔作用,拍出來的白云還是不會顯著的。

  所以加什么濾色鏡來加深天空的顏色,一方面要看自己的要求,一方面要看天空藍色的深淺。天空藍色淺,就要用較深的濾色鏡,天空藍色深,就可以用較淺的濾色鏡。自己要求天空較深色,用較深的濾色鏡。 如果不想天空太深色,就要用較淺的濾色鏡。

至于一般情形,二號黃濾色鏡(即中黃鏡)可使正常藍色的天空獲得接近中灰的色調。

  黃鏡還有隔除霧氣的作用,這可以使拍到照片上去的遠景有比之眼睛所見的具有較清楚的層次。天空中的霧氣主要是藍色光線和紫外光線的成份,黃鏡對于藍光和紫外光線都有同等的隔除作用。如果想遠景有更清楚的表現,可用深黃鏡、橙鏡,以至紅鏡。這些濾色鏡對霧氣的隔除有更大的作用。

  紅鏡和橙鏡對于人像一般不甚適宜,它使皮膚顯得毫無血色,而嘴唇也會太蒼白。黃鏡則要因人而用,對于膚色淺的人會顯得蒼白,但對膚色深的人則可以將膚色略為減輕。

  在戶外拍攝特寫人像,想天空具有中灰色調,臉孔的皮膚較有質感,可用綠鏡或黃綠鏡。綠鏡而且可以減輕樹葉的色調,使照片有較豐富的層次。所以綠濾色鏡對于風景也是十分適宜的。

  如果拍攝之時感光準確的,彩色菲林對于景物顏色的再現,比之黑白菲林有更大的真確性。所以彩色菲林是無須要采用這些黃、橙、綠的濾色鏡的。至于遠景霧氣,那就不論黑白或彩色菲林都同受影響。

  為了這個原因,所以又有紫外光鏡,或者是霧氣鏡(也有叫作霞霧鏡的)。霧氣鏡對于彩色菲林和黑白菲林都是有用的。它可以隔除霧氣,使遠景較為清楚。它同時可以使彩色菲林有較暖的色調,消除陰影部份的藍色影調。在戶外的遮蔭地方,或者在云翳天色之下,受不到太陽的直接照射,主要是從藍色天空反射下來的光線。這時候的光線就偏近于藍,拍出來的臉孔會帶青色,如果加一個霧氣鏡,就可以清除這種不悅目的藍影調。

  所以在鏡頭前經常套一個霧氣鏡是不壞的主意,它對黑白或彩色都有好處,而且也可以有保護作用,避免意外的碰傷鏡頭。

  至于消除玻璃窗或水面的反光,則有偏光鏡。偏光鏡對于黑白和彩色菲林也是同樣有用,因為它是純灰色,并沒有顏色的,不會影響菲林的色彩。使用偏光鏡要留心它的角度。眼睛貼近鏡頭位置,偏光鏡放在眼睛之前旋轉,當看見景物的反光點消失,就照著當時偏光鏡的角度套上鏡頭。如果角度改變,反光點就不能隔除。

  除了霧氣鏡和淺黃鏡之外,大部份的濾色鏡都有顏色,使透入鏡頭的光線減弱。所以必須看顏色的深淺,相應增加感光時間,不然就會拍到感光不足的底片。至于增加多少時間,則是根據「濾光率」來計算。這些濾光率,每只濾色鏡新買之時都有說明書說明的。有些廠家還將這個數字刻在濾色鏡的外沿。

  假定濾光率的數字為2,拍照時就要用兩倍的感光,即照測光表測量的開大一級光圈,或者是撥慢一級快門。當數字為4時,即要求有四倍的感光,亦即是開大兩級光圈,或者是撥慢兩級的快門。數字為3時,即要撥大一級半光圈。數字為8時,則是三級光圈。各種濾色鏡的濾光率數字列寫如下:中黃2 黃綠2 深黃4 橙色4 綠色6 淺紅4 深紅8 偏光鏡8或4    

  拍戶外景物,因為日光、天空與膠卷的關系,相機上必須加上濾色鏡(Filter)才能夠達到人們看到的深淺程度,使照片上有細致的紋理,豐富的色層。例如藍天白云,非常醒目,如不加濾色鏡頭則底片雖有影像亦無法放出。通常用一個二號黃濾色鏡或黃綠濾色鏡,就可以使所攝成的照片和人目所直接見到的深淺層次相近似。所以要改正底片所攝照片的色調,則必有賴濾色鏡的幫助。

濾色鏡有紅、橙、黃、綠、藍各種,每種又有一二三號深淺不同,使用起來效果也不一樣。

  濾色鏡的構造與形式,過去種類很多。如用兩片光學玻璃加膠而成,或半邊白,半邊黃綠等,現在多不適用?,F仍以光學玻璃加上藍膜,或褐膜(coating)為通常使用品。濾色鏡應該經常保持清潔,擦拭時小心,不用時宜放在干燥地方。

  使用濾色鏡后,對曝光時間的影響很大。除了單眼有自動測光表的可以不加顧慮外,其它相機使用時須按照出廠的說明書研究清楚,然后使用。因為各國廠家所出器濾色鏡的顏色深淺并不一致。

  有的濾色鏡是用膠片做成的,顏色的種類很多,可配合于各種特殊用途。目前只有拍電影時使用。至于放大黑白或彩色照片所使用的濾色鏡,則各成體系。因為膠片濾色鏡片不太耐用。

  ■偏光鏡(Pola-Screen)有兩種作用,一是減少被攝物體的反光,增加層次。如果拍攝商店櫥窗內的物品、瓷器、水面、鏡框等,都需要加上偏光鏡轉到適宜的位置去拍攝,就能將反光吸收而把目的物拍的清清楚楚。第二,無論黑白或彩色攝影,都可以用偏光鏡而使天空加深又不影響其它色調。不過使用偏光鏡要增加曝光時間二倍至四倍。

  ■柔光鏡(Diffusion Filter)的作用是使照片發生柔和及散光的效果。拍攝半身人像及風景照片往往用柔光鏡頭來增加藝術氣氛。用柔光鏡光圈放得愈大則效果愈顯著,反之則效果愈小。在鏡頭上加上柔光鏡,其作用是使高光部份的散光,散向深色里去。如加在放大機上亦可使照片有柔和散光作用,但是其作用則是照片上的黑色部份有黑色散光向淺色里去。

  ■減光鏡(Neutral Density Filter),是把高速的膠卷感光控制到適宜的程度。因為膠卷速度很快,在強烈的光線之下,往往曝光過去。使用紅、綠濾色鏡,雖然也可以控制膠卷的速度,但顏色的濾光鏡,會影響物體的反差和色調。所以減光鏡實在是控制膠卷速度的有效工具。這種減光鏡深淺種類很多。我們通常應用上祇需二倍或四倍就可應付了。
 
 
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第四課 什么是藝術生活照片

  生活照片可說是人們拍攝得最多的一類題材了,但同是生活照片,卻又有普通和藝術的兩類。普通和藝術的生活照片有什幺分別呢?

◎普通的生活照片是:

(一)對時、地、景物,都不太細加選擇。
(二)不甚注意采光、角度、構圖等技術問題。
(三)祇要當時的情形紀錄下來,不計較美的條件和效果。
(四)隨意按動快門,對人物的姿態,不甚講究,大都是呆望著鏡頭或左顧右盼。
(五)不拘論「照片質素」。

◎至于藝術的生活照就不同了,它在拍攝時應注意的是:
(一)有豐富的生活真實感,而又不能缺乏美的因素。
(二)對人物的神韻、面部的表情、個性的刻劃,都有充份發揮的機會相透徹的描寫。
(三)一舉手一投足,都可影響到畫面的優美,在拍攝時須小心照顧和提示。
(四)對被攝者的姿態、輪廓、肥瘦、高低須很留心,以求盡善盡美,勿犯「變形」之弊(用夸張手法者除外)。
(五)彩光要柔和細膩。側光、對光或平光都可用,祇要運用得宜。不過通常以采四十五度至七十五度角的斜光較佳。陰暗面有時要借重閃光燈或反光板的輔助。
(六)要合乎構圖學的基本原則。
(七)人物不論多少,畫面上務求「均衡」。
(八)主體的動作和視線,要有清楚的交代。
(九)光圈大小,必須靈活調用,切勿祇用細光圈。
(十)生活方式和背景的襯托,要配置得合乎情理。從形式上來說,普通的和藝術的生活照片的不同處就如上面所述,即能給人美感的照片就是藝術照片,反之若只是紀錄式的,就是普通的生活照片了。
除了形式外,內容的美當然是更重要的了。
 
 
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第五課 『黑白』攝影要領

  每一位業余攝影者,要踏入攝影藝術時,必須由基礎開始,按步就班地來,先要了解構圖、主題、采光這三項要素,還要多觀摩、多問、多拍,不斷地充實自己,是影藝進步不二法門。黑白相片只有二色半之色調,但卻能表現出涵義、生命感,使人覺得百看不厭。所以黑白攝影值得同好研究發揮,器材經濟實惠、簡單易操作。當然最好是自己沖放,全部過程由自己掌握,隨心所欲地表現出特有的風格。攝影前輩郎靜山大師近幾年來之回顧展及攝影展,全部都是黑白集錦作品。拍結婚攝影時,每對新人也都有拍黑白相片,而黑白膠卷也可用彩色相紙沖放成單色調相片。

■膠卷選擇性質

■膠卷沖洗要領:135膠卷微粒子專用藥水沖勿用120膠卷粗粒子藥水沖膠卷反差,濃度要正常。

■膠卷盒之說明:注意制造日期、感光度及其它有關之說明。

■膠卷種類:黑白膠卷、黑白正片、紅外線膠卷、色盲片(拷貝片)彩色藥水沖專用黑白膠卷。

■黑白攝影技巧:

?。保臄z人物:
   適用長鏡頭及大光圈,景深短能使背景單純化,較具美感,男女老幼都是攝影題材。光源之應用以早上10點以前,下午4點以后之逆光,攝影表現最佳。勿在太陽直射時拍。
?。玻臄z風景:
   適用短鏡頭及小光圈、景深長能表現其深度感,光源以斜光45度拍攝較有立體感。

■濾色片之用途:

 紅色(R):表現最強烈,高反差之對比,以拍攝藍天白云為多,對紅色景物能顯現淺色。
 橘紅色(O):能使風景層次分明,影像清晰顯現,如汽車之霧燈、高速公路路燈、都用橘紅
        色來消除霧氣。
 綠色(G):光線較弱時使用,對于人像、山水等較能表現,尤其對于綠葉能清晰顯現。
 偏光鏡(PL):可用來消除或降低櫥窗玻璃、金屬及水波之反光。

■攝影構圖:是繪畫、雕刻、圖案、攝影以形、塊線等為美好的表現手段。初學攝影時,往往容易產生茫然,不知所措。所以一定要先學好攝影構圖。

■構圖基礎有下列幾種:

 1.美的分割(黃金分割):如水平位置大約1/3上下,作為美的分割。

 2.三角形的構圖和V字形最常用。

 3.水平線、垂直線的構圖。

 4.S字型、Z字型:路、人像。

 5.左右同型的構圖:均衡的美感,是一種對稱照片,如樹林、建筑之拍攝。

 6.反差色調的配合:正常色調、黑、白、灰色皆適當,為一般攝影基本條件。


■寫實攝影法:
 
  1.主題突出:利用畫面內人、物的大與小、近與遠、實與虛、明與暗的對比,位子定點的穩定性,來達到主題之突出。

 2.畫面簡潔統一:采取能舍則舍的原則,遇到復雜場面和景物盡量化簡,力求統一畫面。

 3.攝影理念:「不要一下子就要拍下整個世界,而應從簡單的事、物拍起」。最平實的就是從生活周遭人、事、物著眼。黑白攝影不比彩色攝影之色彩豐富,所以必須參照上面所述各項原理拍攝,方有優良的作品。

 4.暗房的技巧及機會快門等運用。

■黑白膠卷構造與種類:

 一、膠卷之構造:

  1.基板層式:(1)玻璃(2)膠片。

  2.乳劑:(1)膠(2)銀鹽。

 二、膠卷之感色性:

  1.正色性膠卷:對藍色、黑色、綠色感光、紅色不感光,為印刷方面及高反差相片之表現。

  2.全色性膠卷:對紅、藍、綠、黑都感光,為一般大眾所常用。

  3.紅外線膠卷:對各種顏色都能感光,但對不可見之紅外線放射感光,所以為軍事上常用之膠卷。

 三、膠卷感光度:

  1.A.S.A.(美國標準協會)50度、100度、200度、400度、800度。

  2.DIN(德式)18度、19度、20度、21度、22度、23度、24度、25度、26度。

  3.ISO:S、SS、SSS、其它:X(50度)、XX、XXX。

 四、膠卷種類:

  1.柯達KODAK新片T-MAX-100度、400度。

   舊片Trix-400度。

   PLOS-125度。

  2.愛克發AGFA-100度、400度。

  3.富士FUJI-100度。
 
 
 
 
第六課 淺談攝影構圖加法與減法之認識及運用

  乍聞攝影構圖加法與減法,是否有一頭霧水之感,然而在攝影中真是有如此復雜,而需用到數學的加法與減法嗎﹖其實今天要跟大家來探討的是在畫面構圖中,所運用的加法與減法。攝影論及加法與減法構圖,其實它本來在攝影拍攝過程當中就以潛意識進行而不自覺罷了。

  在攝影的領域中,我們可以把它粗略區分為二,即是商業攝影、業余攝影兩種。而商業攝影如產品攝影(工商攝影),所運用的就以加法構圖為居多,而業余攝影則以減法構圖手法為居多,當然也有兩法并存之例,以下則針對兩者之間的差異作說明。

  加法 -大家都了解,廠商如有商品要作平面廣告,那就必須將商品交給工商攝影者,將立體的商品拍成平面作品而方便日后印刷。今天廠商交給拍攝者只有產品本身,而要如何在平面作品表現出產品的特性及美感,達到吸引消費者的目光進而加以采購商品,這便是工商攝影者須達成的任務,而工商攝影者此時拍攝應用最多的手法便是加法攝影。

  現就舉個例子來說明:最近在電視上常有看到日本酒商作廣告畫面,廣告的主角是一瓶酒,而呈現出來的畫面是一瓶酒及擺在旁邊的,斟滿酒的酒杯,酒杯內有一大塊的冰塊的在一旁陪襯,看到這畫面真讓人忍不住想喝它一口。就廠商而言只給拍攝者那一瓶酒,而拍攝者為了畫面的氣氛營造及敘述,而在畫面上加了酒杯及冰塊,這就是攝影中加法的運用。另有一則廣告是我們電視畫面??吹降钠嬃蠌V告,主角也是那一瓶汽水,拍攝者在畫面上汽水瓶身上加許多水滴,讓人感覺好似剛從冰箱拿出來的樣子,非常清涼可口,如此已達到吸引消費者的目光,這不就是攝影加法的應用嗎﹖所以原本沒有的事物,因環境、情境的需求,而需外加物品陪襯、強調、襯托,如此皆可稱為攝影加法之運用。但使用時須注意,外加的事物,一切之安排須合乎邏輯,絕不可患有違常理,格格不入及賓主不分,喧賓奪主之嫌。

  減法 - 本法之應用較廣為業余攝影者所用,因業余攝影者常處自然現實環境中尋找主題,雜亂的周遭環境,不見與主題相呼應,所以拍攝畫面中的景物須有所取舍,那如此就須用到攝影之減法運用。減法之運用在強調突現主題,去除不相關有礙畫面視覺人、事、物,使觀賞者顯而易見主題的表現,立即感受到作者的表達之精神所在。在運用上如我們常聽見畫面中有電線桿、垃圾桶、白灰的天空、不相關的人、事、物…. 等等,都要加以去除。也如評審老師們照片評介中常提及之畫面,那里裁去幾分之幾,如此這不就是減法之運用。

  加法與減法其實也常須混合使用,如拍攝一兒童樂園中之娛樂器材時,除須舍棄周圍的電線桿、垃圾桶,欄桿之后,而畫面中沒有小朋友玩耍搭配也失色不少不是嗎﹖若能適切的加進安排小朋友進來,如此不就生動不少呢!而舍電線桿、垃圾桶,欄桿是減法,而加小朋友玩耍不就是加法,由此得知此兩法交互運用得宜,不失相得益彰之作法。

  拍攝者如明了各中之道理,而加以融合運用,如此不失為構圖之準則。
 
 
 
 
第七課 認識自已的測光表

  當你使用測光表之時,有沒有想到憑它那個小窗子,怎樣就能測到光的強度而指示出正確的曝光呢?

  它主要包含三部份:攝影晶體(Photocell)將「光能」轉變為「電能」(或者,在鎘型晶體中則在電流信道形成電阻),一件紀錄儀器用電力單位和計算系統將電能表示出來,然后第三部份將光能,非林速度、光圈和快門速度等結合起來產生具體的曝光指示。雖然測光表有各種大小型式,但都是在相同的原理下工作的。

  測光表是純粹客觀性的,它不可能自動配合你的攝影要求,所以你必須根據自已的要求而加以適當的運用,否則會得到錯誤的結果。所以了解測光表的問題,今天同樣的問題仍須用來注意那些自動曝光相機、或鏡頭后測光相機的。

  你可能聽見過「測光角度(Acceptance Angle)」這個名詞,是指一個測光表測量一幅景物的闊窄角度,角度的闊窄一般是與標準鏡頭的拍攝角度相等;但事實上由于設計的不同,各種測光表的測光角度并不一樣。特別是所謂標準鏡頭的含義,今天已開始模糊。許多相機已用廣角性鏡頭來做標準鏡頭了。但內裝測光系統的自動相機,其測光角度總是跟固定鏡頭的拍攝角度相差不多。有些較闊些,有些較窄些。但不管怎樣,它總是測量「測光角度」內的平均光度。測光角度愈狹,理論上是測光結果愈可靠,但在實際使用時就要愈加小心。如使用一有疏忽,就會引致很大的錯誤。有些測光系統兼有闊的和窄的測光角度(前者稱為全面測光、后者稱為局部測光),不論角度的闊狹,測光表表示出來的都是該一定角度內的平均光度。

  上述的測光表實是「攝影電表(Photo Electric Meter)」,另有一種稱為「攝影表(Photo Meter)」的,并沒有晶體裝置。它有個像望遠鏡的設備用來觀看拍攝的景物。鏡內有一圓點可調整深淺色度,當圓點的深淺與題材主要部份互相配合(即同樣深淺)時,即能顯示出當時的準確曝光。這種測光表非常準確但卻相當昂貴。

  攝影電表有若干缺點必須記著的,當它露向強烈光線較長時間,會產生慣性。如轉向暗弱地方測光時,它就不能馬上起靈敏感應。反之,在暗黑的地方太久,轉向光亮地方時,它的感應也是同樣遲鈍。但過了一段時間,或者在正常情況下,這種慣性就沒有的了。至于氣溫的高低,如不特別厲害,那對測光表是沒有影響的。測光表的構造雖然相當堅固,但它的配件十分纖細,很易在碰撞中受損,晶體對色彩的感應跟肉眼的感應更為接近過非林的感應。

我們要記著的,攝影電表不管測光角度內大小,都是測量角度的平均光度。這是對能否正確地使用測光表是十分重要的。
  (1)為測光表作水平平行方向測光.(2)為測光表上仰,測到過多的天空光線,引致曝光不足.(3)為測光表朝向地面,如不過份朝下,是獲致準確曝光的方法.(4)為測光表測量十吋外的灰咭(10),灰咭是12吋丁方;如果使用正確,這種測光方法是最為可靠的.天空(8)來的光線受灰咭表面反射,接受光線;它的測光窗要與題材同一方向,主光(17)和部份反射光(18)為直接光附罩(11)接受。(6)為「攝影表」的型式,可在相機位置使用。這種測光表可測量題材的任何細小部份.(7)為相機位置.(12)為題材的天空部份.(13)為題材的地面部份.(14)為題材位置.
 
 
 
 
 
第八課 大談"光線"、"色溫"和"風景"

  光源不論是陽光、燈光及電子閃光,都是分別由不同成份的光譜組成的。光譜成份不同,光線的本色便有異。從肉眼看來,這三種光線都是白色的,但實際并不然。太陽的光線以肉眼看來只是接近于白色,而電子閃燈發出的光便偏藍色,鎢絲燈發出的光是偏黃色的。只由于肉眼有自我調節的能力,就覺得全都是白色光線了。當我們從陽光的環境走進鎢絲燈光照明的環境,初時會覺得燈光是偏黃的,但逗留時間長了,就不再覺得光線是偏黃的了。這由于肉眼的視覺神經已適應偏黃的燈光。
  但彩色菲林,感應紅、綠、藍三種色光的乳劑膜,涂上片基制成菲林之后,其感應能力便不能加以改變。舉例說,一種彩色菲林制造時,如果是以太陽的光色為標準,那三層分別感應紅、綠、藍光的乳劑膜,其感應能力就剛好與陽光中含有的紅、綠、藍光的不同成份取得平衡。這樣拍攝出來的景物顏色,才會與在陽光下看見的相同。
  又例如某種彩色菲林,是以鎢絲燈的光色為標準的,它那層感應紅光的乳劑膜就要減弱,感藍的乳劑膜就相應加強。這樣拍攝出來的鎢絲燈光下的景物才會有在陽光照明下的效果,也即等于具有肉眼矯正了視覺神經之后感覺到的效果。這因為人類習慣了在陽光下觀看景物,就自然而然的認為太陽光線照明的色彩才是自然的色彩?!咀ⅲ喝展庑筒噬珶羝屏值母猩阅芤话闶且蕴柤犹炜账{光的混合光色為平衡的標準,并非只以太陽光的光色為標準。自然,各廠商的平衡標準雖然都是以太陽和藍天的混合光色為標準,但由于所用染料及制造方法不盡相同,彼此之間仍有不同程度的差異。
  換句話說,如果將減弱了感紅能力的燈光型彩色菲林用來拍攝陽光下的景物,拍出來的景物會全部偏藍。如果將三層乳劑膜的感色能力與陽光平衡的日光型彩色菲林用來拍攝鎢絲燈光下的景物,又會全部偏紅了。
因此,彩色燈片菲林,有日光型,鎢絲燈光型和閃光膽光線型的分別。但彩色負片菲林,只有部份供專業用的才加以分開,給業余人士用的都不分開(為了照顧業余人士的非專業習慣)。這因為彩色負片菲林沖洗出來的是底片,要經過射印或放大的工序才成為照片,底片的偏色可以在放大加工時改變放大機光源的光色成份來加以矯正,出來的照片便會有正常的色彩。
  彩色燈片菲林,沖洗出來就是正片,無須經射印或放大的程序,即是說再沒有加以矯正的機會,所以要分開制造用于不同光源的菲林了。
  這也說明了為什么同一張彩色底片,由不同的店家射印,甚至由同一店家但先后不同期間射印,都會有不同效果的彩色照片,就因為每次射印或放大時采用的矯正色光所含的光譜成份有不同之故。
  英文有句話:「all color is light, all light is color.」這就是「色就是光,光就是色」的意思。在深不可測的海洋深處,沒有陽光,所有動植物都沒有顏色。一幅色彩斑斕的圖畫在墨黑的房間內,也同樣看不見顏色。
  陽光照射著綠葉,綠葉將藍、黃、橙、紅的色光吸收了,只將綠色光反射出來,肉眼才見到那是綠色的葉。
  紅、橙、黃、綠、青、藍、紫組成了光譜。紅的一端光色習慣叫作暖色或低色溫;光譜藍的一端習慣叫做冷色或高色溫。
  光線與色彩的密切關系,已經表過,何以又和溫度有關呢?根據物理學的說法,將一塊純黑的物質,如鐵塊加熱,隨著熱力的增加,鐵塊會開始有顏色出現,最初是紅色,繼而是黃,到最熱時變成藍色。顏色與溫度有關,是由此而來的。
  表示色溫高低的單位是K。陽光加天空藍光的平均色溫是5000-5500K。低于此的是暖色溫,高于此就是冷色溫。采用日光型或燈光型燈片菲林,應該先看一下說明文字,明由它的平衡色溫是多少。所謂平衡色溫,是指它適宜用于同樣色溫的環境下拍照。如果現場的色溫與菲林的平衡色溫有出入,理論上是要在鏡頭前加色溫濾光鏡,改變進入鏡頭光線的色溫,使與菲林的色溫取得平衡。
  5000-5500K只是日間光線的平均色溫,但實際的日間色溫卻有很大變化。一般可以分為晨曦和黃昏、中午、日出和日落這三段主要色溫。晨曦和黃昏,是指太陽在升出水平線之前及沒入水平線之后,天際是一片黑,中午是指11時至下午3時這段,這段的天空藍光較強,因為空氣中的分子吸收暖調的長光波。如果沒有太陽光,色溫就嚴重地高了。但還要看白云的多少對色溫的影響。天空最多紅、橙、黃色的,是日出和日落這一段,也是拍攝風景的人最喜歡出動的時段。
  這三段,只是概略的從時間作出的劃分。實際上,日間的色溫還會受其它因素影響,變化甚大。例如不同的季節、不同的緯度、不同的海拔高度,以及云、霞霧、雨雪等天候條件都會影響色溫起變化。此外,地面的水氣、空氣中的微塵、大氣中的紫外線都同樣會使色溫有不同程度的改變。
  日出日落時的色溫為什么會較紅呢?因為太陽的位置低,陽光要穿越廣闊的地面,冷調的短光波給地面的塵土粒子隔濾掉,肉眼見到的大都是暖調的長光波。又,落日的色彩往往比日出時的更紅、更濃,這因為早上人們還沒有開展勞作、地面較少塵土飛揚。而日落時分,空氣中累積了整天飛揚的塵土,其濾隔能力比日出時大了許多,日落時段的太陽就顯得更紅了。
  我們的問題是,用彩色菲林拍攝風景,面對色溫這許多變化,怎樣辦呢?回答這問題,首先要明確自己用什么材料,即用負片菲林還是燈片菲林拍攝。
  用負片菲林的話。正如上文提及,射印和放大的工序可以將底片的色彩效果作一定程度的矯正,那是不必解決的問題。
  如果是用燈片菲林拍攝,也不一定要在拍攝時非動用濾光片加以矯正不可。因為風景攝影,除考慮景色的取舍之外,還要表現景色的時間、季節及氣候等因素。一幅風景照片如果欠缺這些條件,那是沒有生命的風景。所以用日光型燈片菲林拍攝日出日落,還原出那些時段的暖紅氣氛是應有之舉。明信片的風景不受重視,就因為那些畫面看不出當時的時間、季節和天氣,景色沒有了生命之故。
  當然,正午時分,色溫太高,那是要用色溫低的濾鏡降低藍調。這方面的控制和矯正,一方面要看實際的色溫情況,另方面就要看自己的想法和意圖,才好決定。
  業余人士,用彩色菲林拍攝風景,只要配備三個濾鏡也就可以勉強應付了。那就是紫外光濾鏡(UV或B1)用于一般郊外場合,天光濾鏡(skylight)用于中午、及早晚濾鏡(morning & evening)用于早晚時段。
  如果對照片的色彩嚴格要求,或者是供專業用途,那就配備色溫表和一套暖色和冷色的矯正濾片。色溫表用來測量題材的色溫高低,如色溫比所用的菲林色溫偏低,就用冷色溫濾片矯正;相反,就用暖色溫的濾片矯正。這些專業知識,專業人士都知之甚詳,這里不必贅述了。
  用彩色菲林拍攝風景,除色溫問題之外,還要明白彩色菲林──特別是燈片菲林的反差,或者說是感光能力的寬容度。所以在猛烈光線之下,一定要加補光,否則的話,不是暗位太黑就是白位太白。
 
 
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第九課 主觀攝影 v.s 感觸攝影

  民國六十八、九年許,還祗是個人攝影的起步階段,當時多位攝影前輩均言:「畫意風格」傾向于表象的唯美;相對的「寫實風格」則較具內涵的表達。甚至有人說:「畫意」再拍五百年也一樣。為了這句話,個人將拍了二年,也是使我在初期,即獲得許多獎項的畫意作品,減少創作,轉而積極投入「寫實」,以體會「唯美的表象」與「寫實的內涵」二者之間,有何不同之處。

  一年過后,果真領悟了畫意只是唯美的表象,但也不免質疑寫實若只以鄉土、民俗為主題材的單作,是否也只是另類的表象而已?并無法滿足所謂「內涵的深度感」。民國七十年左右,即開始試圖從這兩種風格之外,尋找另一種創作方向的可能性。

  既然畫意與單作的鄉土民俗,都有可能淪為表象。當即思考,攝影是否應從作者本身的思想、情感著手,并將之投入作品中,才能呈現真正的內涵及深度感。這種想法便成為往后個人努力實踐及指導學生的目標與方向。其間林慶云老師,將個人有此想法及感受的作品,解釋為「主觀攝影」。從此,個人就以「主觀攝影」這個名詞,冠在這類作品上。

  如果,要來說明何謂「主觀攝影」?個人粗略認為:即是以作者本人的思想(價值觀)及見識(歷史的、人文的、社會的)為出發,并藉由聯想、象征,將所見之事與物,融入個人的情感思惟,重新賦予作品新生命的表現方式。其中必須透過生活上共通性的認知,產生理性的生活化且合乎自然的邏輯性構成,才不至于變成各說各話與普羅大眾沒有交集。

  由此,生活上共通性認知范圍的大小及能不能靈活運用聯想與象征,已成為創作「主觀攝影」主要關鍵。而這些認知來自于每個人的學識、社會見聞及生活周遭的觀察,不但因人而異且無遠弗界,它與作者本身的歷史文化背景,對生長的土地關心程度有著密切關系,為使我影友更簡易理解,試將所謂“共通性認知”簡述于下(包含甚廣祇能簡述一、二是無法完整但僅供參考):

 一、人類:
   如紅發藍眼為白種西方人、黑發黃皮膚為東方黃種人…等。

 二、民族:
   中國傳統的風土習俗,如燈籠、錢幣、太極等的圓融思想;紅色的喜事、喪事的白色;中國人是『龍』的傳人…等。

 三、國家(歷史):
   臺灣四百年,先民從唐山駕帆船冒生命危險過黑水溝到臺灣,歷經滿清、日本、國民黨統治發生二二八事件;從過去的專制逐漸開放民主…等。

 四、社會(現狀):
   過去農業時代的斗笠、木屐,從草厝、木造房、紅瓦厝;到現代工商業社會高樓大廈的水泥叢林;從早期走私商品、毒品到現在的槍枝;政府的掃黃、特種營業趕出住宅區、向毒品宣戰、槍枝所造成社會的混亂,綁票搶劫及環保問題,倫理的錯亂…等。

 五、宗教:
   天主教屬西洋教派:尖形的教堂,窗戶常見多色玻璃、白色長袍、十字架、教堂鐘聲…等;佛教屬東方教派:黃色架裟、合十、光頭、卍字、圓形斗笠、行腳拖缽、阿彌陀佛…等;回教屬中東教派:白頭巾…等。

 六、美學知識:
   點、線、面、幾何圖形、色彩學,如:并行線的穩定,斜線的動感;圓形的合好、團圓、圓融,三角形的尖銳、方向感…;色彩的冷暖感及對色彩的聯想與象征…等。

 七、季節感:
   春、夏、秋、冬的季節,所隱喻生、壯、老、病、死的生命周期循環,及春、夏、秋、冬各自代表的色系氣氛。

  「主觀攝影」因為有了思想情感,較能有內涵的深度性;有了共通性的認知,能和觀者產生心靈契合;有了聯想與象征,能使表現空間,更為寬闊。但又由于每個人的思想情感、認知、生活歷練及社會價值觀…等,均有所不同,對事物的感受必有差異,而這種差異逐造成作品的多樣性與個人的獨創性。

  因此,在創作「主觀攝影」作品時,是對眼前的事物,心中先有感觸,才按快門。而作品之「題名」則是按快門之前的那些感觸情愫,擇用一適當之「字詞」替代。所以作品的「題名」在「主觀攝影」的作品中,扮演著極重要的角色。鑒賞者可試由「題名」切入,來探討作品背后作者心靈之深處。透過眼前的作品與作者產生共鳴,進而明了作品所欲傳達的內涵。果此,攝影作品將不再只是一幀看起來,很賞心悅目的相片,而是會說話的。

   以上,以「思想情感」融入作品的「主觀攝影」,再印證中西美學的論點,其對藝術品的界定也是這么說的:

 一、從中國美學的『意象』理論:「言有盡而意無窮」,藝術創作就是要為,人的思想情感找到合適的形象化形式,而這個形式必須以表達「意」-—思想情感為最高目的。

 二、從''西洋美術史''中『美術的意義』:…當我們提到美術品時,必然想到那是作者生活情感的造型表現,換言之,…并非只是胡鬧地或無意識之間的制作,而是具有生命的人類以某種意識而表現的物體,…美術的具體表現的美術作品可以說是:「作者透過意識的藝術活動,將其生活感情以形體表現出來的東西?!?br />
 三、「臺北攝影」87年9月號,邀請師大袁金塔教授主講─『藝術創造想象力的探討』一文:…
   所有的藝術創作,都必須加入創作者的思想情感,才可能成為藝術品,…作品的內容要提升,就要在其中加入作者本身的知識,和對時代的感受、生活的體驗…從人類文化的歷史切入,…落實生活去體驗生命的意義與價值。…至于在各種藝術創作品中,最重要的是你能把對土地的關懷,以及對臺灣文化的情感,講出來才是最重要的…。

  以上是否可以證明「主觀攝影」的作品符合了成為「藝術品」的基本條件?而個人倡導「主觀攝影」并非認為它是最好的,而是它好象與所謂「藝術作品」接近一點,或許是進入藝術攝影創作的墊腳石。
 
 
 
 
 
第十課 淺談「少女人像拍攝」注意事項

  一年當中全省各地,少女人像攝影比賽何其多,相信許多攝影同好一開始接觸攝影,就是從少女人像開始。它是最容易上手,因場次、時間、地點、獎勵、參與人數眾多、而對器材方面所需要求不多,所以攝影同好大多以此為攝影的入門口。少女人像雖然容易上手,但要拍得好也是不容易,所以今天以個人心得來跟大家探討一番,若有不宜之處,還望請指正。
  臉部─個人認為拍攝少女人像,首重臉部表情(喜、怒、哀、樂)的掌握與表達,再加上肢體語言、光線、背景敘述及嚴謹的構圖配合,為有如此才是上乘之作。
 
  眼神─人像拍攝成功失敗與否,所重眼神的表現,所謂「眼神」即是黑眼球中反光白色光點(如圖2) 眼球的位置,能代表一個人的神韻。瞪白眼即是眼球位置呈現一半白一半黑(如圖1),稱之「瞪白眼」是生氣的表情(若是要表現生氣表情,當然不在此限)。而黑眼珠內的白點最理想的位置,應是以時鐘方向在2點及10 點位置為最佳(如圖2)予人神彩奕奕,不失柔情之感。如常人所云:有眼無神,即是呆滯的眼神,也可解說是沒有精神,眼睛精神的表現,就是在黑眼球中有無反光白色光點(如圖3)。這就是如一句成語提到畫龍點睛的重要性。
嘴角上翹(表現喜、樂、歡怡、滿足)。
嘴角下垂(表現哀、怒、討厭、生氣)應避免。

頭發─長發可表現出,飄逸、柔順、嬌媚、神秘感。長發的利用:可用于改善頸部過長、臉頰的缺失如青春痘、斑點、可使國字(方型)臉顯得較修長…..等。

短發的利用:可表現出,俏皮、青春活力、活潑、果斷、毅力、堅強。
頸部─頸部的轉動方向須留意角度不可過大,避免頸筋浮現過于明顯。一則會使觀賞者感覺僵硬之感,二則被攝者也會因用力旋轉而不舒服,姿態不能持久,進而影響到臉部表情不自然表現。
肩部─肩方向不可正對著鏡頭(如圖4),因對著鏡頭時,會產生畫面中手臂占比率過大,搶走臉部表情表現。而可考慮調整肩部使其一高一低、向鏡頭的前肩應下壓,再加上轉腰,如此會產生有柔軟、俏皮的感覺
胸部─挺胸可使前胸曲線更美,而后背則可避免產生駝背的現像(如圖4)。
手部─手腕勿呈自然下垂成90度角(如圖6),感覺上較僵硬、似斷掌之感。應手背稍上提自然成為似蓮花指(如圖7),感覺會較柔軟,而勿手掌背面及手掌心整面向鏡頭,會給人手掌很大的錯覺,手腕應稍旋轉,成側面才可顯得細長。
腰部─身體勿正面向著鏡頭會感覺較肥胖(如圖8)。應稍為轉側身,如此可顯得較瘦,曲線更美(如圖9)。
腳部─是身體重心的支撐點,重心不穩必倒無疑,腳站的位置方向會改變一個人的體態不可不留意。一般建議雙腳尖不要同時朝向鏡頭(如圖10),而可選擇站所謂的丁字步即前腳腳尖朝鏡頭方向,而后腳尖在前腳跟旁,后腳腳尖朝45度方向,身體重心擺在后腳而立(如圖11)。前腳腳尖可著地,而腳根可稍微上提,如此更可強調腿部的修長與曲線美。
背景─盡量以單純素色為主,才能突顯襯托出主角。低輝度為背景有憂郁、沉思、懷念、個性表征。高輝度為背景有活潑、青春、純樸、快樂、期盼、個性表征。背景處理不宜太過雜亂、清晰容易造成喧賓奪主之嫌,景深宜采朦朧若有似無的搭配環境說明。
光源─宜采用逆光及斜逆光為佳。由于采用逆光、斜逆光,臉部會因背光有陰影產生,所以一定須加以補充(閃光燈或補光燈)來平衡亮度,而由于有補光動作,所以眼睛會有反光白點產生(眼神)何嘗不是一舉兩得。順光雖好但是須留意被攝者眼睛因受強光,而睜不開造成瞇瞇眼,此時應請被攝者目光注視遠方較暗的地方即可改善。
道具─隨身道具準備搭配要以合乎邏輯為主,常見有花、傘、扇、帽子、絲巾、眼鏡……..等等。
鏡頭─人像拍攝中建議以中望遠鏡頭(80mm─200mm)為佳。因鏡頭太短拍攝者與被攝者之間距離近,容易造成對被攝者心理上有壓迫感不自在的感覺產生。
鏡頭太長對拍攝者與被攝者之間距離太遠,兩位互動性也不安。
光圈─人像拍攝宜采較大光圈為主,但不是最大光圈。因如需對背景的景深要求模糊程度時,較容易表現與掌握。
柔化處理─如遇被拍攝者膚質不是理想時,可考慮加柔焦鏡片拍攝。
 
 
 
 
 
第十一課 回歸藝術的思考--主觀攝影的攝影主觀

  時序1998的下半年,二十世紀末的臺灣,社會亂象叢生道德淪喪倫理盡失,環境惡化土石流狂奔災害連連之際。包括國家最高當局、社會各階層人士,韃劃檢討反省之聲不絕于耳。巧的是攝影界,也于去年的下半年起,國內三大攝影學會會刊里,也同時出現類似自覺性的三篇文章;個人對這三篇作者或活動主辦人,表示肯定與敬佩之意。
  首先登場的是:「省會」87年8月號賴東銘先生所寫『中部沙龍期許』一文:…中部的攝影水準,日漸式微向“錢”看、重名利,無法承受失敗考驗…寫實題材不知如何拍?連作如何組?…等。

   接著「臺北攝影」87年9月號,邀請師大袁金塔教授主講─『藝術創造想象力的探討』一文:…所有的藝術創作,都必須加入創作者的思想情感,才可能成為藝術品,…作品的內容要提升,就要在其中加入作者本身的知識,和對時代的感受、生活的體驗…從人類文化的歷史切入,…落實生活去體驗生命的意義與價值。…至于在各種藝術創作品中,最重要的是你能把對土地的關懷,以及對臺灣文化的情感,講出來才是最重要的。…

  最后是「中國攝影」87年11、12月號許永川前輩所述『夢的創作』一文:…相機可作自然景物的復寫,也可描寫個人內心意識。以藝術攝影家來說,后者的功能才是藝術攝影所需要且注重的。…而我們卻唯拿相機當作自然景物的拷貝機…。

  從以上簡述文中歸納出:一是對攝影者「心態、價值觀」的無奈與自??;另一是對「藝術創作理念」的探討。個人認為這兩個題目雖不新鮮,但的確是目前非常重要的課題,特別巧合的是國內三大攝影團體不約而同的出現,就值得再添一筆,期望藉此提供我影友齊來反省與思考。

  近年來有機會與一些前輩相聚時,均對時下的同好,將攝影做為追求有獎金比賽的工具,此種心態頗不以為然。參加比賽固然可以測試自己初學階段的程度,如有得獎對自己也有激勵作用;但比賽卻不是每一個人攝影歷程的全部,更不能以比賽獲獎的高低及次數,來評斷一個人攝影的成就,更與他對攝影知識豐寡無關。試想目前業余攝影界臺面上人物,那一位沒有得過獎,它們全都還在國內有獎金的比賽廝殺嗎?是否早已封劍多年?

  我們再來回顧業余朋友進入攝影環境的緣由:大多因買了一部相機想要學會如何操作,而到文化中心、學會…等地方學了一些使用相機的基礎、或因為拍了許多年的家庭照對相機操作很熟練后,正好又巧逢朋友、同事介紹而加入攝影學會。自此就不斷參加會內、會外及許多商業性的比賽而踏上比賽的不歸路,多年征戰累積下來,得到獎自是必然之事。如果再加上一點對會的熱心,能成為會內重要干部也是合理的,也因此可對攝影的推廣及方向,提出應該這樣或那樣的諸多見解,而將攝影學會帶領到『純個人想象』的方向走。我們試問這樣單純的歷練足以理解國際攝影藝術的未來走向?本國攝影藝術未來的走向?它又如何帶領這個學會往那個方向走?

從以上過程里我們提出幾點來供我族類,自我反省、探討:

我們都在不斷比賽中忙碌著,是否忽略了去探討『藝術攝影的本意?』,我們從業余的心態踏入攝影環境至今,可是我們是否認真的思考過『攝影是什么?而我們為什么要攝影?』。

雖然我們可以從其它非藝術的專業領域中借鏡,來對攝影的未來提出參考意見,但也僅止于參考罷了;因為大部份的攝影學會或文化中心的課程里,從來沒有告訴我們『藝術原理』是啥?『攝影史』又是什么東西?如果攝影是『藝術』的話?如果不鑒往如何知來?
攝影學會舉辦會內的比賽,旨在磨練新會員的技術激勵創作動機之本意實無可厚非。但是否應開辟一條教育與研究『藝術攝影理論』的路,提供會員認識與追求,使得理論與實際相并行,以免對藝術攝影有所誤解,以為攝影就是應該這樣或那樣,當一提到『藝術攝影理論』知多少時?又推說我們只是業余而已?

一昧的追求會外有獎金的比賽,我們得到了什么?又失去了什么?得失心?為利而忘義與意?有一次個人有幸參與某政府單位的高額獎金比賽評審,該比賽得獎作品必須繳交底片,有一位評審建議主辦單位:「入選獎獎金不高可增加張數,以便有更多的圖片可應用,反正參加比賽的人講難聽一點就像“奴才”一樣,給一點獎金它們就會拼命?!垢魑缓门笥涯牭竭@一席話有何感想?我們是否因為想得到一些獎金而被許多商社利用,而陪掉了在人性底層的貪婪?連帶的也因自己沒有得獎,而不服評審結果變得沒有修養,甚至引起紛爭?

  前段曾述『中部沙龍期許』及『藝術創造想象力的探討』這兩篇文章內容所訴求的意義并不新鮮。筆者于71年,因感受同好們過于追逐獎金疏于探討學理,致社會出現對攝影團體有負面印象,而自那時起為建立形象,即封劍不參加一般性的比賽,年過近20我們改變了什么?七0年代謝震干老師在臺北會刊連載,為當年另類觀點的論文;林炳文先生常年在臺北會刊發表無數藝術理念性文章。我們回頭檢視臺北會已經改變了嗎?或是進展有限而大都依然如昔。從如上的大環境改變緩慢相較,高齡邁向八十曾是國內沙龍派大將——許永川前輩,能夠在這個時機提出:「…相機可作自然景物的復寫,也可描寫個人內心意識。…而我們卻唯拿相機當作自然景物的拷貝機…?!惯@么“現代式的語匯”。個人深覺他的可愛,更值得我等后輩尊敬、深思、反省。

  個人以為,這么多年來業余攝影界進步遲緩的最大主因在于:「我們也實在太業余了,業余到不用去了解攝影的本質,業余到不用去了解整個攝影世界的演化?!谷绱嗽鯐心芰χ笇Щ蛑贫〝z影界未來的走向?攝影學會雖然自認為攝影是藝術,但業余到沒去理解「藝術的根源」卻一直在「外在美的通俗藝術」層次打轉,無法切入具有「思想情感之藝術理念」的深度表現,奢談藝術?縱使有識之士有心欲往較富藝術理念層次方向表現,奈何卻不知如何往???真有''心有余而力不足之憾''??!

  為此筆者在此呼吁—『回歸藝術的思考』,只有從藝術的根本去探討,才能厘清真正的方向、找到真正答案。況且再從中西美學的論點,其對藝術品的界定也是這么說的:

一、從中國的『意象』理論:

  「言有盡而意無窮」,藝術創作就是要為,人的思想情感找到合適的形象化形式,而這個形式必須以表達「意」-—思想情感為最高目的。

二、從''西洋美術史''中『美術的意義』:

  當我們提到美術品時,必然想到那是作者生活情感的造型表現,換言之,…并非只是胡鬧地或無意識之間的制作,而是具有生命的人類以某種意識而表現的物體,…美術的具體表現的美術作品可以說是:「作者透過意識的藝術活動,將其生活感情以形體表現出來的東西?!?

  由上再次印證,藝術作品的創作必須要有作者「思想情感」融入的這種理念。從古至今,從中西美學論點至謝震干老師、林炳文先生、袁金塔教授等藝術理念的論述也一再的重復著沒有改變。而我們急需改變的是,如何將「思想情感」融入作品來表現的問題了?否則,可預見的是,過一陣子我們又會邀請不同的對象,講相同理念的東西,而我們的作品依然「以不變應萬變」的態度來面對。
 
 
 

 

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